大海航行靠舵手

　　这是超女快男里头，品质最为优秀的一张唱片。

　　各位玉米凉粉盒饭们，不是我的武断，如果从音乐来论，明星和歌手还是存在差别的。在这个崇尚简约的时代，许飞有着太多得天独厚的优势：没有多余的转音和尾音，这点继承了姜昕姐姐；倔强而不肯低头的小脸，这点继承了一大批不胜枚举的独立女歌手前辈；会弹吉他，尽管弹得不怎么样，手型还很生硬，她也会写歌，尽管写得不怎么样，但这两者也实用，虽然距离陈绮贞、张悬还有一段距离，不过范儿足够。这些，都是时下最流行的审美取向，许飞幸运的都具备了。

　　最后，她有一个大名鼎鼎的老师陈升，这位无论是西门町还是北京都要喝得晃晃悠悠才能耍出一套醉拳的流浪汉。你无法想象缺少了陈升，这张唱片会少去多少噱头，许飞会去少多少通告，而更直接的，这张专辑的品质能否达到现在这个程度。从《吉林到北京》前奏里与《为爱痴狂》多么形似且神似的吉他分解，让人不禁联想起当年鲍勃陈和奶茶的点点滴滴，时光流转，而如今他把自己越发憨厚的酒香味赋予了许飞。难得的是，许飞很快就在演唱中把这首歌一把夺了过来，这和专辑中大量运用的英式吉他和钢琴无关，这就是许飞小性子的本色诠释，即使副歌部分的和声有着怎样浓郁的淡水风味，但她还是许飞，不注重技巧而只看感觉的许飞。要知道，录音可以修正演唱技巧错误，但对音乐的理解和感觉，是怎样都不可能强加的。

　　许飞无论唱什么歌都挺好听。《淡淡的歌》来自那位快被大家遗忘的快男郭彪，仿佛是为许飞量身定做一般，朴素的吉他和旋律十分切题，弦乐部分也小心翼翼地节制。包括《痊愈》《爸爸妈妈》这样的作品，实际上，专辑的制作人，除陈升外，包括袁惟仁、周治平、王晓东在内，他们对整张专辑的功劳最大。现代音乐工业发展至今，信手可用的音乐元素一把一把，但许飞不适合任何的繁缛，电音的点缀和大型弦乐的铺排对于她来说都是画蛇添足。平心而论，许飞的创作其实还很稚嫩，用华丽的后期补给，这并非是完善或掩饰。

　　如此这般之下，我们听到了这么一张不插电编配的流行专辑。我们的选秀偶像终于有了像样的作品，庆幸之。

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专辑：Chinese Room

　　“种给离乡的人，种给太宽的路面，种给归不得的心情。”这是我第一次听到有人在舞台上用客家话唱歌。这是我第一次听到有人在舞台上用我的母语唱歌。

　　我生长在粤北的一个小镇上。一个小时的车程之外，有一个叫做翁城的地方，那里诞生了一位杰出的中国民歌修补者杨一。在他的《内部参考2000》的《小镇》中，这样唱到：“春天的细雨呦灰蒙蒙的小镇上，路边的榕树大得象一只船。”尽管他也能把歌唱得掏心挖肺，但作为一个客家人，杨一却一路烟尘地奔赴千里之外，用陕北民歌的方式来表达思乡之感，仍旧是未能做到百分之百的传达。而林生祥则是这样，他用母语来歌唱美浓，“种给留乡的人，种给落难的童年，种给出不去的心情”，聊聊几句便串联了多少童年的画面，金曲奖最佳作词实至名归。更别提“种给河坝乘凉，种给雨水歇脚，种给南风吹来唱山歌”，直截了当地把我带回了幼时的故乡，小河，堤坝，大榕树，草地，嘻戏的我，还有围着一圈一圈地唱着客家山歌的人们。

　　这是林生祥第一次来到内地，这是一次出乎意料的旅行。有谁能想到传说中的交工乐队突然就出现到我们面前，给我们唱着海岸那头的歌呢？而更加让人啧啧称奇的是，在此之前还存在遥不可及、带着陌生感和距离感的人与音乐，顷刻间由于某个触发点而变得动人不已。而过往只会在和外婆、农村里的长辈亲戚们交流时才会用的客家话，因为林生祥也变成了一项值得骄傲的语言和吹嘘的本领。甚至，当我得知林生祥的巡演站在广州之前的首站是我的故乡、粤北山区韶关的南岭时，且他的歌唱对象是当地的农民，感受到的惊喜难以名状，还一度想纠集几位热爱音乐的乡友们于当日纷纷罢工，在客语山区听林生祥原汁原味的歌唱。虽然最终作罢，但在广州，我同样感受到了林生祥的客家新民谣，并在其后的一个星期里真正地体会到了何为“绕梁三日”。

　　只有林生祥才能吸引到这么多的圈内大腕。在当天下午的喜窝现场，乐评人邱大立、杨波，广州民谣届的朱方琼、夜郎和他的南蛮乐团、纳乐队的阿志、吹拉弹唱全能手叶宏刚几乎全员到期，以及广州地下音乐旗帜沼泽乐队的主唱海亮、远在云南昭通的腰乐队主唱刘涛也特地赶来观摩学习，可见林生祥的号召力。舞台上的生祥给人感觉很舒服，他文质彬彬的外表让人一下子难以和那位不屈不挠的社会运动家联系起来，但当他一开口，逼人的气场便让他显得高大起来。相较于交工乐队时期，我更喜欢林生祥现阶段的作品。阿成骑着《风神125》在乡间小路上突突突的时候，那唢呐还过于揪心；《菊花夜行军》在逃离呼啸的城市后也有生活之下的无力感，他反映的是深刻的农村问题，其内容要求了音乐形式的必然表达。但到了《种树》，在乐器上的大做减法，使得其音乐的本身更具空间感和层次感。日本冲绳三弦大师平安隆与吉他手大竹研的加入，使得整个音乐风格变得清新爽朗起来，节奏上多变的摇摆呈现出农村里的稻浪粼粼。生祥开始不断地挖掘农村由内而外的生命美学，他开始真正地进入“采菊东篱下，悠然见南山”的状态，他的音乐也彰显出画满水鸟、稻米、玉兰花的热带南岛风情。

　　虽然平安隆这次没有前来，但同来的大竹研已经让人领略到了生祥音乐中不断学习、不断交融的魅力。生祥和大竹研几乎全场都在调音，吉他伴侣一刻都没有离开他们的琴头，一会儿是Dsus4，一会儿又回到了标准音。对于一个民谣艺人来说，如此频繁地使用开放式调弦法（Open Tuning）是我意想不到的，而生祥的吉他技巧也让我乍舌。作为一个乐队主唱和主创，近似于singer/songwriter的角色，生祥花了大功夫大气力来研究吉他演奏。在他的博客文字里，你知道原来他虚心地向平安隆和大竹研学习吉他技巧，在个人音乐里融入了日本民谣音乐人自琉球王朝起崇尚唯美、古韵，以及对诗意的追求。平安隆曾经在横扫日本的喜纳昌吉Champloose乐团担任吉他手，单飞之后专攻三弦，把这项15世纪时从中国传来的音色圆润古乐器赋予了更具有时代感的面貌，他在《种树》专辑中一直所起到提纲挈领，不仅作为节奏组机能存在，为歌曲的节奏铺陈埋下了厚实的一笔，其稳定的铿锵音色甚至能当bass使。也因此，《种树》几乎是每一个当下的民谣从业者应该反复聆听和学习的专辑，能在三把拨弦乐器的架构中凸显层次感，这需要怎样的对音乐的敏锐天分。

　　好吧，平安隆大师缺席的长嗟短叹就不消说了，幸好还有大竹研，他的技巧同样趋于化境，天外飞仙的一手布鲁斯或蓝草，你感觉到的却是标准的日本民谣风情。林生祥从他们两人中吸取充分的涵养，为了让自己音乐更具有空间感，他同样地学习了大量的非洲音乐元素，甚至牙买加的雷鬼，于是现在的生祥更加地Swing和shuffle.第一首的《逻田》之旋律对每一个客家人都不陌生，但生祥在节奏处理上加入大量的切分音，以及大段的口白，只能用耳目一新来形容。同样的，《莳禾歌》也是立足于客家山歌中的再创新，大竹研在吉他间奏时的温情脉脉把农家欢乐表现得跃然纸上。至于《捱介卡肖》和《种树》一样都是我百听不腻的一曲，浓郁的台南风情让人迷醉。即便是重新演绎交工时代的《菊花夜行军》，生祥所流露出来的状态也不是那个急于表现和抗争的“代农民立言者”的形象，WTO outside的口号也变得带有诙谐的气息，阿成的还来就菊花也有了一份自得其乐的美满。甚至，在生祥悦耳的旋律和吉他中，歌曲内容深刻的思想性很容易被忽略了。最后，还是用音乐说话。我喜欢他的这种状态。

　　将近不惑之年的林生祥知道自己需要些什么。推人心之至情，待境而生自工。让我们期待他的下一张作品和下一次内地之旅吧。

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　　（注：真人版NANA，这是菲提出来的。我这是把她的话再说一遍。） 

　　后海大鲨鱼游到广州！这是后海巡演广州站乐迷们不约而同喊出的口号。是的，这是一支北京城里最时尚的乐队，他们有一个嗓音和舞台魅力的无尽性感的女主唱，付菡作为当下中国独立音乐界中最酷的摇滚妞，很容易便能吸引男性的目光，主打时下最流行的复古的车库摇滚（但乐队自称其音乐风格为舞曲摇滚Dance Rock），后海的魅力是毋庸置疑的。

　　广州低迷的小众演出市场因他们而注入了一剂重磅兴奋剂，近300位歌迷在191 space度过了一个疯狂的夜晚。原本以为到场的歌迷多为男性，一双双发亮的眼睛都冲着有“性感小鲨鱼”“金牙女王”之称的付菡去。自去年迷笛音乐节上付菡的走光事件后，大家都对她的超短裙、丝袜、小吊带充满了无限憧憬。而付菡的广州一夜也没有让大家失望，一双长腿拜倒着一大片裙下之臣。但更让我觉得诧异的是到场的女歌迷比男歌迷更多，她们同样时尚的打扮和激情都令人印象深刻。据称，其中不乏有从香港远道而来的朋友，尽管鲨鱼们前一天才在游至香江，不知广州40元的门票比香港180元的性价比要高，抑或是领略了北京乐队区别于香港本土indie不同的娴熟的技巧和风格而感到意犹未尽，他们也随后海奔赴广州。但有一点可以肯定的是，付菡作为摇滚明星对女孩们的号召力。好比李宇春受到女孩们的热捧，喜欢付菡更多的也是女生。过往只能在动漫中看到的NANA式的人物，现在一口演一口酒地活生生就跳在你面了。摇滚乐也有偶像，追求自由、独立的80后女生们也希望有人能唱出她们的心声，在这个闪电大都会里过客匆匆的各种碎碎念，而闪亮登场的付菡和后海大鲨鱼无疑满足了她们的这个愿望。于是，我们可以得出一个鲁莽的结论：喜欢后海大鲨鱼和喜欢超级女声性质是一样的，何况，付菡的英文比张靓颖更好。

　　无论如何，我喜欢这支乐队。他们的《月亮上的人儿》《爱是流行》我都能跟着唱。虽然从旋律、编曲以及歌曲内容上，后海大鲨鱼无法抹去抄袭的痕迹，连付菡遮住眼睛的刘海、手中把玩麦克风线的姿态和表情，对熟悉苏克西女妖、Yeah Yeah Yeahs的乐迷们都不会感到陌生。让人感到意外的是乐队良好的整体表现和舞台控制力，曹璞的吉他范儿和小武的鼓点走向都很有感觉。作为一只前途无可限量的乐队，后海大鲨鱼所需要做的只是走出模仿而已。很简单，也很难，不是吗？

　　（见今日《信息时报》。马向新同学，请你不要叫我邹雄飞好吗，像骂人的话……）

　　在两周之前的广州信MTV不插电媒体见面会上，我身旁的两位媒体记者朋友在悄声议论：什么是不插电？

　　是的，什么是不插电？把电吉他的效果器拔了，贝斯的压缩机拔了，那就叫做不插电？摆上一把木吉他，这就叫不插电？抑或是，Acoustic，这就叫做Unplugged？而当我问及当晚的主角信，这20年来MTV音乐台所举办的不插电中最喜欢哪一场，他也是用“很多啦”来搪塞，最后被我一再逼问，只是应付式地举了涅磐、玛丽亚·凯莉的名字。于是，在种种的未知中，中国人就这么稀里糊涂地迎来了属于我们的MTV Unplugged.关于MTV不插电的历史，各位资深乐迷估计了解得比我更系统更深刻。从1989年起，不插电作为一个成功的品牌策划，一直紧跟时代的步伐，以名气和受欢迎度为第一准则，而无视艺人本身的音乐风格和表现形式，使得一位接一位横跨流行、摇滚、民谣、蓝调的当红巨星们踏上了这一舞台。艾尔顿·约翰、比约克、鲍勃·迪伦、Tori Amos、埃里克·克莱普顿、Sting、Seal……尽管他们的风格千奇百怪，无所不有，但只要一坐下来开始不插电时，他们的音乐却不约而同地展现出内敛、细腻、温柔的一面。且不说慢手埃里克·克莱普顿在经历丧子之痛后沉淀出的在其个人专辑销量史上最杰出的力作，最让人称道的当然还是1994年纽约的NIRVANA，科特·库本主动将吉他调低了一个半音，这也意味着他的暴戾在那一晚上变化成迷人的忧郁。当吉他噪音被简单的扫弦和分解代替，人们才发现库本原来是如此杰出的旋律编织者，毫不逊色于任何一位流行界作曲大师，而其中每一首歌的吉他编配都成了吉他爱好者的必学入门教材，这也成为了不插电历史上一道别致的风景。但如同其他舶来品入驻中国后的本地化，一个拥有这样光辉历史与口碑的品牌也难逃厄运。

　　对于不插电的理解，很容易陷入形式主义的误区，而背离了“为什么我们要不插电”的宗旨。忘掉那些“返璞归真”之类的空话吧，若不是当年老美电声轰鸣的泛滥，不插电也不会得以众望所归。因此，求变应该是所有挑战不插电的音乐人首要面对的主题。即使像埃里克·克莱普顿本身就是一位融合了布鲁斯与民谣摇滚与一炉的艺人，他在不插电上呈现的《蕾拉》也和CD中的千差万别。在信之前，中国版的不插电已经举办了两场，羽泉以及张震岳，前者在黄金十年演唱会上的许多曲目编排本身就大有Unplugged的味道，而后者虽底子不错，但就MTV所整理的现场视频来看，着实乏善可陈。我们期待的朴树、许巍还未现身，第三站又杀到广州了。

　　信有所谓“高音王子”之称，在现场他每每飙高音时，我身旁的观众也随之惊叹“他的高音好赞哦！”但在我看来，信本人根本不知道什么叫做不插电，其所谓的“花了三个月重新做的编曲”只能让我感叹他的乐手低效和无能，否则分局左右的两位吉他手怎么会在演出从头到尾几乎弹的都是连把位都一模一样的东西。更别提鸡肋般的大提琴手，只是在翻唱Damien Rice的《The Blower's Daughter》时才露了个小脸，其余时候都在糟糕的音量均衡中埋没在众人之里。为了突出信的声音，乐队伴奏一律让路，音量均衡都压得很小，用任何标准衡量都是失格的。拙劣的鼓手一整晚都在打着大开大合的节奏，和不懂层次、尽是营造出一些口水旋律的键盘手一起，让整个乐队显得无比恶俗。本身信凭借着《死了都要爱》就已经沦落为一个高素质的彩铃歌手，这场不插电除了《错了》《北京一夜》稍有新鲜感外，其余几乎可用不堪入耳来形容。原以为主办方MTV中国开了窍，知道了找一个声嘶力竭的信坐下来不插电演绎一番深情能有别样滋味，但实际情况却并非如此。没有比这个更糟的了。

　　在曾经的一段时间里，全世界的乐队都在拔插头玩儿Unplugged，但后来他们发现Unpleg更有意义，于是胡吗个在2005年发行了一张《不插腿》。而MTV中国则在普通粉丝民智未开的情况下用非主流乐迷心目中金字招牌不插电来继续明星包装的老路，从这一点上，两边都不讨好。或许粉丝是讨好了，毕竟他们只要能见到自己偶像，吃啥喝啥都觉得香。但在吃惯了西餐的人看来，这道芝士焗海鲜意粉显然是一盘土拌面。

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　　当我听到张玮玮那熟悉的手风琴和曼陀铃流淌出来时，心里总有这么一点诧异和莫名。

　　还记得去年海魂之夜上，万晓利无比欢快地唱着“哎呀呀哎呀”，这几乎是一个小众狂欢的缩影。而后的时间里，在十三月主动示好下，万晓利却遭遇了两次上晚会被掐，这对于任何一个中国独立音乐爱好者来说，都是一件义愤填膺、感同身受的事。而现在，万晓利的独立民谣的大旗，则又要由小宋佳来弘扬了。

　　这样说来是不是有点言过其实？但请略加回忆一二。曾几何时，“演而优则唱”已经成为了一个玩票的、没有质量保证的行径，无需点名批评，大家心中有数。当然，影视歌手其中也不乏唱得好的，老的有刘若英，年轻的则有秦海璐和袁泉，两人都有丰富的舞台表演经验，秦海璐平日里最爱摇滚乐，袁泉则是在姚谦的妙手下很好地延伸出自己日积月累的文艺孤独气质，她们在2007年影视歌手中的优异表现，证明了“强扭的瓜不甜”这一道理。归根结底，公司让你唱老板让你唱，如果你自己不是真的喜欢唱、喜欢这么唱，内行一听便露了馅，怎么伪装都无济于事。

　　小宋佳，这个《闯关东》的小宋佳，就这样兴冲冲地闯进了摇滚乐或曰非主流音乐的范畴。专辑的内页中清楚地告诉你，其中都有哪些十三月御用的制作团队，而万晓利和谢天笑两人联袂担任唱片的制作人也是一大卖点。相比于其他影视歌手，小宋佳的音乐中BandSound的强化毋庸置疑。《稻草人》中江建民老练的吉他编配若只能说是“舶来品”，整体感觉还是港台苦情歌的老路，连间奏里的失真吉他也似乎和陶晶莹等江建民过往作品大同小异，那随后的《大不了是散》则有漂亮的电吉他哇音，小宋佳的演唱也有让人耳目一新的倔强。《这个冬天来看你》初看歌名或初听旋律时会有台湾老情歌先入为主的既定印象，但你已经能够在其中感受到小宋佳和她的制作团队们企图在里头挣脱行业内惯用的标准。《如果我离开》则更加明显，朱雨辰的加盟并没有因为“星味”的增强而削弱音乐性，它和之后的《女人的梦》一样有时下流行的复古元素和中国传统文化中的婉约之美。

　　我会把小宋佳这张处女作的最后的几首作品当作戏玉。专辑同名主打《能不能幸福》如之前所说，被咀嚼过一遍的《牙齿与爱情》，编排上没有什么变化，在乖张叛逆的切分节奏中传递小女生对爱情的白日梦和胡思乱想，作为万晓利最可爱的作品，小宋佳的表现对得起这首歌。而《滥赌鬼》则改编自新疆民歌《新疆的英孜》，小宋佳的唱腔从坚定转向妖娆，竟让听者有一种得心应手之感。最让人惊喜的还是谢天笑的经典之作《向阳花》，她在歌中传递的坚定、执着、梦想，都让人耳边一亮，有力的发音吐字和不加修饰的嗓音让我联想到了另一位同样不懂得掩盖自己表情的独立女声姜昕，但无疑小宋佳是阳光的，充满健康朝气的。

　　《诗》曰：七月流火，九月授衣。热热闹闹的彩铃歌曲也是时候该歇着了，让十三月和小宋佳用品质来说话吧。

　　《他们说忘了摇滚有问题》，这是一个非常具有煽动力的名字。1000张手工编号限量发行、定价80元的设定，配合腰乐队的极端低调，也让这张唱片充满了神秘。我所购买的零零零七号，应该是其在全国售出的第一张唱片，当天也是这张专辑的悄无声息的首发日。但很不幸，在唱片发行伊始，一场如灾难片《后天》般飞扬的大雪，以及毫无征兆爆发的跨平台社会性事件——没错，我指的是陈冠希，让腰的唱片淹没在了不安舆论的海洋。等到这个年好不容易过完，迎来春暖花开之际，左小祖咒带着他500元的天价唱片又杀将来了，所有人的注意力又转移到了另一边。这样一来，腰的这张题为“十年恶果/悲喜交集”的大作只能用“既生瑜，何生亮”聊以感叹了。

　　在全球逐步变暖、我们的生活逐步走向变态的时代，深刻已经是一种罪过。让人花时间动脑筋去思考，这等同于谋财害命。为什么我们需要周星驰和陈冠希，为什么我们不需要刘小枫和启功，因为后者并不具备全民普及性，因此他的价值就只在于象牙塔。梁文道曾撰文，香港地有一万人需要深刻的、先锋的艺术，那这个城市就有活力了。而腰则更谦卑地说，在十三亿人民中，即使排除那一亿八千万确实目不识丁的文盲和半文盲，我们只需要1000位听者。这听起来是多么悲壮的事儿呀。

　　实际上，《他们说忘了摇滚有问题》表面上并非有那么地苦大仇深。早在由摩登天空发行的《我们究竟应该面对谁去歌唱》中，腰乐队便已经用最苛刻、最露骨的言辞对现实，《民族》《日常》《小城》，这一首首歌曲像一把把匕首，但他不知道该扎向哪，唯有对着自己，因此，这时候的腰鲜血淋漓。他们有点像秋瑾，我以我血荐轩辕，甚至还有一种人肉炸弹的架势。于是，在第一张专辑里面，他们理所当然地无法收录自己的歌词，上战场前便自断一臂。

　　2008年的腰，这一次来得处心积虑。去年夏天，乐队主唱刘涛来到广州，为唱片发行而奔忙。在与他的匆匆会面中，刘涛表示，这张唱片“好听得让自己都有点不好意思”。言谈中，我感觉到了刘涛作为乐队主创在经历过一些事情之后心态的变化，而这种变化直接地在音乐中外化。如果说，之前的腰只是在摸索，在寻求一种表达内心愤怒的方式，而采取了一中国极端暴力、有自我毁灭倾向的方式，如今的腰则出人意料地变得收敛起来，以致对其新专辑抱着既有印象的耳朵在初听时失望至极。最早公布的一曲《公路之光》，其旋律之优美，让乐队也爱不释手地再编制了一个单击它版本放到了专辑的最末，名曰《未命名》。如果没有歌词对照，你或许会将其误听为一首抒情曲，但他的公路实则通往的不是什么光明大道。接下来的《在这宁静的水坑路》更加地隐晦生涩，他们不再迁怒自己或他人，一切任凭听者有心。《K男抒情曲》则更加颠覆了乐队的所有成见，这种跳跃的鼓点和键盘音色，和黑暗没有半分关系，这更像是在西南边陲小镇上，一个关注民生、遥望世界的单身汉无可奈何的自嘲式独白，最后还不忘留下一个彩蛋：“你在惨淡的销量下神秘的笑”。

　　有时候，你只需要将事实陈述出来，不需要任何地渲染，它也有足够的说服力，《垃圾好比你的脸》就是这样一首歌，采样和歌唱齐头并进，这只是一个陈列。专辑的内容和风格在这里急转而下，开始收紧了借酒微醺的嬉皮笑脸，一股肃杀之气开始弥漫。《海鸥之歌》由纪录片的采样、杨绍昆的钢琴为主要搭建，腰乐队尽可能地释放了一次自己的文艺气息，刘涛也难得地拿起了大提琴，和他的嗓音一样语无伦次、紊乱不堪，在圣女林昭罹难四十周年之际用醉眼斜睨以资凭吊。

　　如果说《海鸥之歌》还有一种浪漫主义的革命情怀，那《高山上的花环》一百三十七人的共鸣则是彻底的反思。如果是这样，你不要悲哀，共和国的旗帜里有我们血染的风采。这是我从小跟着卡拉OK录像带学会的歌，而这首歌的采样中原本应该有我演唱的部分，在并不知情的场景中，我唱得很抒情，很优美，只可惜保存着这段录音的手机存储卡不幸遗失了。在那一次的战争中，乐队主唱刘涛的父亲化作了山脉，即使国之大者，但从最简单的人性出发，试问他怎能不悲哀？以王小波为先驱的怀疑精神的复苏，开始主导我们重新解构原有的价值观判断，也一直贯穿着腰乐队从最初到现在的创作。

　　这是一件好事，把《你的街头在燃烧》演化成优美的吉他民谣小调，把“每条猪唱同一首歌”用伤感的方式去诠释，更能引导听着的思考。当然我会推荐下面的这首《今夜还吹着风》，充满了台南气息的吉他揉弦和口哨甚至让我一度想到了阳光青春的脱拉库，饭桌上的采样和乐队成员欢快地高唱“没问题”点出了专题的主旨。急转直下的是《世界呢分钟》，嗯，这是一句昆明话，同样也是专辑中我最为喜欢的一首，它在气势上的宏伟、内容里的深邃、音乐性的优美，拧成了一股盘旋而上的密度美，直冲云霄。一个接一个的物象衔枚疾走，这是腰乐队献给彩铃世界、挥手告别唱片的世界、国民生产总值天天攀升穷人依然贫穷的世界、围观和爱看热闹这么多年依旧热衷围观和爱看热闹的世界、忘了摇滚乐但忘不了摇滚乐告诉了我们什么的世界的一首盛世安魂曲。

　　在唱片内页的最末，主唱刘涛这样写到：“你们的行为减缓了唱片这个老玩意离开我们生活的速度……献给你们，这张用尽了盛情和笨拙的唱片。”在这两月中，我几乎每天都在听这张唱片，想“尽了力，没有凑数”地为它写一点文字。就是这样。

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　　作为一个好色之徒，自从第一天听到Goldfrapp起我就对她迷恋有加。一个用淫声浪语挑逗你男性本能的跳舞组合，有什么理由去抗拒呢？很不幸，08年初，在其第四张录音室专辑《Seventh Tree》时，Alison Goldfrapp竟然一下子断绝了众人的性幻想。你相信吗，Goldfrapp从良了！

　　改变从封面开始。在阳光灿烂的某个庄园里，Alison一身复古装扮，你还以为她客串出演了BBC《傲慢与偏见》之类的剧集，就这么回过头来似笑非笑地一瞥，让人大感意外。如果你有“封面党”的担心，那请听专辑中的第一首《Clowns》，上两张专辑《Black Cherry》和《Supernature》中性感妖冶的Electro-Pop荡然无存，阵阵欧陆式根源民歌的细腻让人大跌眼镜，有点回到首张专辑《Felt Mountain》之感。但所谓一日为娼，终身为妓，正如专辑最早派台的单曲《A&E》，尽管整个架构稍嫌过于流俗，但成熟与纯真水乳交融的嗓音还是能隐现往日所作所为。因此，结合当下世界性的复古大潮，我们不妨把《第十七棵树》看作是Goldfrapp在风月场所里呆得太久，在某日里不知哪条神经抽了筋，打扮成了这身行头，跑到乡下的田园里，来一次返璞归真的从良一日游。

　　篇首的《Clowns》有绝对的Chill out气质，如之前所说，和唱片封套相得益彰，率性自然的Goldfrapp着实难能可贵。乘兴而来的Alison时而俯身于花丛之中，时而提着蓬蓬裙捕蝶，让人有无限的想象空间。接下来的《Little bird》继续深入这番仙境，涌动的电音暗流同样美妙。《Road to somewhere》的节奏和旋律同样讨好，丝丝Swing的情怀让人感觉到少女怀春的甜蜜与忧愁。除了《Happiness》副歌里嬉皮士的放浪形骸、绿树村边合外，《Eat yourself》和《Some people》在花间的顾影自怜同样优美，适时进入的弦乐有绿野仙踪浮沉的影子。紧接着《A&E》华美的假音和大陆的节奏将突如其来的愁绪冲淡，迎来一首更为仙音的《Cologne Cerrone Houdini》，从林间大大小小的精灵们都挥动着绿色或透明的翅膀纷涌而来，用力的唱腔和弦乐部分有声有色也有景，你可以想象童话中漫游记里头的类似场面。随着最后一曲《Monster love》徐徐铺展开霭霭的暮色，Goldfrapp田园从良一日游也宣告结束。

　　整张专辑最让我激赏之处，在于Goldfarpp本人所展示的对声音的掌控力、对歌曲意向场景的诠释性、以及自身音乐风格良好的可拓展性。作为一张轻量级的郊游小品，Goldfrapp玩得尽兴，由朝到晚的Cosplay人到心到，让我们看到了她在骚和性感之外的另一面。初听这张专辑，怀着别样动机的我一开便破口大骂，但慢慢咀嚼，仍品出一阵阵薄荷、香草的清新滋味。

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　　《如何用正确的心态去听左小祖咒》 

　　首先，这不是一篇评价《你知道东方在哪一边》的文字。对于左小祖咒在中国独立音乐界的地位，基本等同于或者更甚于周杰伦在华语流行乐坛的位置。好的，我承认，这句话是对不知道左小祖咒或者会把左小祖咒写成“左小诅咒”的朋友说的。
　　
　　乐评对于左小祖咒有意义吗？这种问题就好比问问满大街的粉丝们乐评对于周杰伦、陈奕迅是否有意义一样。从专辑第一首《小白兔》开始，你首先肯定了祖咒对于当下流行音乐制作团队的鄙夷，同样地你知道了这又会是一张旋律很优美、制作很精良、唱得不跑调的专辑，也会是年度最佳华语专辑最有力的竞争者之一。但这个时候祖咒还没有唱，只是钢琴和小号的共鸣，再加几处口弦的俏皮，一些电吉他和电音的烘托。第二首《单刀会》祖咒随着古琴一起开了腔，嗯，我们就此打住了吧，所有溢美之词都是徒劳的。
　　
　　熟悉地下摇滚圈的八卦文艺青年们估计会知道左小祖咒这样或那样的负面新闻，或曰花边新闻，我不知道有多少人讨厌祖咒，或曰不认同祖咒。但是，祖咒是有资格有底气来面对一切的质疑的。就新专辑来说，500元的天价，80人的制作团队，当天签售便引来京城艺术家们的排队哄抢，而随机MP3便在网上 P2P呈现满速下载，然后便是高调地接受国内各大媒体采访，不时有惊人之语：“你们都跟着我限量了，所以我不限量了。”“很多学生歌迷现在买不起我的专辑，以后你们会买得起的。”“500块算什么，我原来还想订2000呢！”更夸张的是，在3月12日，诅咒的官方网站因浏览量过大，服务器不堪重负呈瘫痪状，许多欲订购唱片的网友心急如焚。你不禁会问，这，还叫做非主流音乐、独立音乐吗？
　　
　　我经常苦口婆心地会对一些朋友解释，独立音乐、非主流并非都是张牙舞爪之辈，他们的门槛其实并没有想象中的高，只不过相比于流行音乐，在歌曲创作编排上的游戏规则和发挥空间更多更广，受到的限制更少，比如祖咒以前的《像孩子似的倾听》，以及这一次的《小莉》，“洒在我身上的忧愁阳光啊，只有你才知道我的心肠啊。如果我能利用现在的时光，会把我对她说的情话说光”，其中的优美动容、朗朗上口之处怎么也比啥门子彩铃歌曲强吧。总之，现在的左小祖咒已经不是不再是走着走着会走丢的那个主人了。
　　
　　人怕出名猪怕肥，我甘当小人之心替国内坚持奋斗在独立音乐第一线的弟兄们对左小祖咒所拥有的资源眼红一番。是的，祖咒已经获得了大家太多集中的爱了。在他两年前的婚宴上，当场献上的一首《乌兰巴托的夜》，把国内两位著名乐评人都给唱哭了，由此可见一斑。自Radiohead去年年末敢当天下先，成就了自主将歌曲放到网上任人下载的第一人（虽然是歌迷自主下载，但六成歌迷选择了一毛不拔，也和任人下载没有区别了），随后再发行实体唱片依然遭到了歌迷们的哄抢，《In Rainbow》也在实体CD发行一周后一口气冲占了全美公告牌第一名，所有的音乐从事者都被收音机司令的豪气震慑了，连梁文道梁道长都不禁要在专栏中大发一通感慨。在唱片工业前景渺茫的时候，高价位唱片可以远远地被估计成了一个数字游戏，限量发行也成了口号，以此来对抗杨臣刚、庞龙、胡杨林、马天宇之流，也只是少数底子好底气足的音乐人考虑范围之事。而现在祖咒又变本加厉地引领潮流了，你说，能让人不眼红吗？
　　
　　你可以眼红左小祖咒的高调，世故，可以痛恨为什么同是做地下音乐人家能够聚集这么多媒体的闪光灯而我在这里做个演出还只能吃涨了价要六块钱的盒饭。你可以去羡慕别人为什么能有如此强悍的制作团队，录音质量为什么能这么牛叉，唱着《方法论》《偶像》这样明喻暗喻的捅刀子也可以乐得挑眉头。但中国人有句古话，临渊羡鱼，不如退而结网，左小祖咒在很长的一段时间里还会保持他在中国非主流乐坛中的旗手地位，这是第一个吃完螃蟹觉得不过瘾，然后又吃了蚱蜢又吃了蜈蚣并且还准备一个劲地吃下去的人应有的奖励。（腾讯·小樱专栏）
　　
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　　左小祖咒：新专辑都有下载吧。我以前的歌你有听过吗？
　　
　　网易娱乐：都有的。《走失的主人》《庙会之旅》。
　　
　　左小祖咒：最喜欢哪张？
　　
　　网易娱乐：说出来不怕您笑话。我最喜欢的是《我不能悲伤地坐在你身旁》。
　　
　　左小祖咒：《我不能悲伤地坐在你身旁》刚出来的时候也有很多人不接受，但过了几年之后，他们就发现很好听了。我以前的专辑也是这样子，包括我入门级的《美国》。《美国》刚出来的时候，很多人说，祖咒怎么弄了一张这样的东西！但慢慢地，他们就知道《乌兰巴托的夜》有多好听了。没办法，这就是一个艺术家所遭受的待遇。我每次发片都能引起大家的注意，但很多媒体关注的只是这个事情，并没有关注我的音乐。但《你知道东方在哪一边》确实是一张非常不一样的专辑，它应该是建国以来中国真正意义上的双CD，在主流唱片市场也是如此。
　　
　　网易娱乐：新专辑现在大家讨论得很多。我自己觉得相较于以前旋律性有了更大的提高，像《小莉》啊，还有一开始的《小白兔》啊，都给人很大的惊喜。你自己在做这张专辑的时候有没有刻意去提高它的可听性？
　　
　　左小祖咒：应该是有刻意也有自然的成分在里面。《小莉》受欢迎是我意料之中的，但《小白兔》大家喜欢就觉得挺诧异。这首歌作为一个专辑的Intro，没有人声在里面，也就是一把小号叽叽歪歪地吹着，有时还跑调，就像我唱歌。
　　
　　网易娱乐：那你对自己在内地独立音乐届中旗帜的地位自信吗？
　　
　　左小祖咒：这个当然。在中国要做一个牛X的人比在西方难十倍。但我已经足够牛X了。作为歌手，我无法被超越；作为作者，也同样如此。其实写歌很简单，难事难在办事情上。除非你真的是有权有势。
　　
　　网易娱乐：这个问题可能有点不敬。你觉得自己所受到的关注度，除了作品质量外，是否和你永远走在行业的前端有直接关系？
　　
　　左小祖咒：是的，但我做的事情一直都走在前端。从我刚出道的时候，我已经在这样做了。接下来，无论是150还是500，我都是走在最前面的。
　　
　　网易娱乐：那这一次主动提供下载，是你一直都想做的，还是看到Radiohead去年《In Rainbow》之后觉得不错才这样做的？
　　
　　左小祖咒：不是的。Radiohead的发行方式还是和我有很大区别的。在这之前，我在2005年便开始进行网络销售，都是最早的。当时 Radiohead发碟的时候，国外都有媒体问我的意见和看法，我当时说的是：“祝他们好运。”但Radiohead和咱们还是差别太大了，毕竟人家是在国际范围内能卖出100万张的乐队，而我们这样做也只是迫不得已，没有办法的办法。你也知道现在国内唱片市场是怎样的状况。所以，这一次除了拟定500块的销售价格，我还考虑到很多同学都没有钱，但他们真的很想听我的歌，反正也会有人拿出来下载，还不如自己先拿出来好了。
　　
　　而且，我刚才也说了，我这张新专辑是与众不同的。你看专辑出来了一个星期，专业评论仍然没有跟上，案子都没有上来，现在都乱糟糟的，也就是一阵的瞎夸，到不了点子上。媒体们感兴趣的都是这个500块而已，其他的无所谓。
　　
　　网易娱乐：这个可以说是整个独立音乐这一块不成体系造成的。之前你在接受采访的时候曾经表示对现在独立音乐的失望？
　　
　　左小祖咒：对。任何事情，一出来就会变得泛滥。包括独立音乐也是。现在独立的含义越来越模糊，很多人都排着队去做独立音乐，但其实做得很烂。我对这个很有警惕性，不容易受骗上当，但其实现在国内做独立的能听得没有几个。
　　
　　网易娱乐：新专辑的封面依然很独特。这次又是什么意思？
　　
　　左小祖咒：这一次用了猪做主题，上集的封面有十只猪，下集的封面有一只猪，还有一位小女孩，其实我每次的封面都很有意思，包括《左小祖咒在地安门》啊，还有《美国》的行为艺术啊。但这一次做的比较好懂，很多朋友都猜出来是什么意思了，说它抽象也可以说它是具象。
　　
　　网易娱乐：这一次专辑中，和性有关的东西还是很突出。像最早曝光的《你一直没让我的脑子休息过》的MV，还有《野合万事兴》。
　　
　　左小祖咒：其实我过往的专辑里对性也毫不忌讳，在我歌词里面有很多器官的词汇，这个并不黄色，人的正常生理需要，而且听起来还挺优美的。
　　
　　网易娱乐：还有一些歌曲，看这个词会让人触目惊心。比如《方法论》。还有《偶像》，但其他它是很好听的。
　　
　　左小祖咒：我自己觉得这是大家瞎操心了。我的《方法论》其实是一种倡议，你想一下以前主席语录都编成歌曲天天唱呢。但我这首歌的难度很大，因为它是一个报告，不是诗词诗歌，要把它溜顺了，才能唱出来。大家想太多了。
　　
　　网易娱乐：新专辑里面哪首歌你自己最为偏爱？
　　
　　左小祖咒：说具体哪首歌，那就太像什么彩铃啊之类的了。两CD里面，最偏爱的歌，起码有八首以上才行。《方法论》《单刀会》《一五一十》《大话喷子》《金牌鼻祖》《可忘不可忘》《把那个故事再给我讲一遍》，我都很喜欢。
　　
　　网易娱乐：现在唱片的销量怎么样？
　　
　　左小祖咒：这个不能告诉你，要告诉你我就成了唱片公司了。说多了不好，说少了也不好，那还是不说了吧。不过特有意思的是，第一天专辑签售的时候，五大唱片公司都来人，在一旁观摩了。也让他们见识一下，20块的碟和500块的碟有什么区别。
　　
　　网易娱乐：未来的计划是什么？我听《你知道东方在哪一边》的时候，就觉得祖咒应该把能玩的都玩了。
　　
　　左小祖咒：可能要下岗了。（笑）其实现在年事已高，也是做多少算多少了。但一定要是真的好的东西才能拿出来。像我这张专辑，很多朋友都说听了很晕，因为它信息量很大，有一种密度美，你要花很多时间才能去消化。而我以前的歌也是这样子，你现在拿出来听也一样先锋。真正的先锋就应该是这样。
　　
　　原文链接：http://ent.163.com/08/0314/16/470POF9U000300C3.html
　　
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　　一个简单的专题：

 

热情的女歌迷。网易首席电影编辑阿花。

老外也要坐铁窗

这MM的眼神……

780块的票由此进

再看一眼……

舞台其实很寒酸……

还好乐队阵容很庞大。这位场记面对闪光灯很崩溃

很有型的爵士键盘手哦！

比约克来了耶

举手举手

很快就换了服装，其实她就只有两套衣服

也不知道描述啥了。

你看过比约克之后会觉得王菲真的抄袭她很厉害……

最后是放纸片。

　　在动身去香港之前，有朋友问，今时今日你们还劳师动众地千里迢迢跑去看比约克？这话问得蹊跷，但我明白他的话中之意。作为内地早期非主流乐迷的启蒙者，比约克记载着他们最初的聆听经历，即使比约克现在贵为“教母”“女王”，早已不是摇滚青年交头接耳的暗号，但冲着这“处女情结”，乐迷也有飞蛾扑火般膜拜的理由。

　　是的，膜拜，这成了昨夜香港博览馆的主题。到场香港观众中不知是否有11年前亲临过现场的骨灰级歌迷，但我更相信眼前这一张张兴奋和年轻的面孔下埋藏着多少他们和比约克之间的故事。通常国外大牌空降香港时，挤在前排的老外是台下的主角，而昨晚黄皮肤黑头发、身材略微矮小的中国歌迷却当仁不让地展示了我们的激情。演唱会刚开始时，比约克虽然也唱了像《Hunter》这样的老歌，但台上和台下，包括她身后足足十四人的大乐团也稍显矜持。即使她每到高音之处都毫无保留地释放着自己的能量，但仍感觉到一丝拘谨。到了后半程，比约克开始肆无忌惮地使用身体语言，灯光舞美也渐趋佳境，冰岛歌后甚至不惜以一个破音的咆哮来吹响冲锋的号角，一首接一首的经典之作引发了一波波的互动狂潮，《Army Of Me》便俨然成了台上台下的一问一答。唱至《Hyperballad》时，尽管比约克的身体状况已显疲态，但她面对台下翻滚沸腾的歌迷，露出的会心一笑告诉了大家她也深感满足。返场之时，比约克也投桃报李，献上一曲悉尼奥运会主题曲《Oceania》以馈中国歌迷。此刻她的状态依然很放松，声音状况也依然很好。总之，看完比约克的现场，你从今之后必将不敢再滥用“天后”之头衔。

　　终场时，有歌迷发现了一身休闲装扮的陈奕迅，忍不住惊呼了一声，便又恢复平静。而Eason本人也大方地携太太合照留念。是的，在比约克面前，陈天王知道自己应扮演好普通歌迷的角色。而比约克本人在开场后不久挨了一轮闪光灯轰炸，见媒体记者任务都完成得七七八八，也不卑不亢地请台下再勿拍照，往后的一个多小时内几乎再没有人掏出相机，这也从另一个侧面说明了天后的征服性的魅力。（南方都市报·娱乐鉴证科·重头戏）