大海航行靠舵手

　　这张EP仅有17分钟，但它伴随着晕车的车、苏克西女妖的《七年之痒》现场录音专辑，以及我的Zen Stone里几乎每天都在Update的新专辑，两周里在我的松下Diskman里持续地占据着一个固定的位置。每首歌都已经朗朗上口，你甚至已经熟记了接下来所要出现的每一个细微的出槌之处，但你依旧迟疑着，不敢对其说三道四。尽管互联网上已经有成千上万的爱乐迷们通过P2P听到了它，并毫不吝啬地用最文艺、最华丽、最煽情的语句来描绘它，对此，你只能语重心长地说一声：“很好。”

　　曹方小姐是内地最具战斗姿态的独立女声。其第一张《黑色香水》在堪称丑陋之极的封面掩盖下，依旧散发出耀眼的光芒；而第二张《遇见我》则成功地打造了曹老师及大班同学会的良好形象，高达10万张的销售量也不仅让人刮目相看。在如今《求佛》《香水有毒》《老婆老婆我爱你》《秋天不回来》等大热歌曲横行于市的情况下，曹方则出人意表地用这张定价为60元的高价EP《比天空还远》表明了自己的态度。桃李不言，下自成蹊。ICY的骄傲、倔强、孤芳自赏，全都录进这张专辑中。采用网络独家销售的铺货渠道，坚决反对媒体的潜规则，诚意十足的包装与设计（EP一张，LOMO图册一本，创作手记一本，宝丽莱两张，以及可折叠反转海报封面），使这张EP除了音乐属性外还具备了装饰书架、送礼佳品、逗小MM开心等附加功效，很容易让人要窜改某句经典的广告词——“今年圣诞不收礼，收礼只收曹方的新EP”！

　　我不知道5000张的批货量已经卖出了多少，但我相信高价位是一个有效的销售策略，一如当初左小祖咒1500大毛的《我不能悲伤地坐在你身旁》。再加上销售渠道的单一，外界对曹方的看法自然不乏当下最流行的“低高”，即表面低调而实质高调（这一招在南方甚是流行）。个人觉得无可厚非，本来独立音乐就该有独立音乐的样子，不可能要求曹老师像蔡依林杨丞琳一样，每天忙着爆乳宴客及创造爱国语录。她所能做的、且做适合做的，便是保持这样的姿态。

　　《比天空还远》确实很耐听。Intro里挽留了北京夏天的尾巴，日坛公园的蝉鸣，伴随着曹方的悠扬的吉他和口风琴，在空气中娓娓道来。《比天空还远》写于去版纳的途中，我在曹方不造作的歌声中找寻关于云之南方的记忆。如果你曾经见识过云南的天空，那种在北京、上海、广州根本无法想象的湛蓝，会更加明白她在“啦啦啦啦”中传达的与世无争的心态。《最小的海》我会把它当作是《城市稻草人》的延续，对爱情难以名状的牵绊。而《忽略》则可以作为曹方对此张EP个人的一种诠释，在吉他失真并不张扬的烘托中，在副歌部分的“绝望地，向前冲，饼干能满足你的胃”，她显然做好了流血的准备，但却是口是心非的满怀希望。最后一首《夏末的萨克斯手》刚开始以为是某国的语言，后来才发现这只是随意哼唱的半成品。虽然稍显刻意，但也使得这张EP的概念更加完整。

　　在进入网络时代、P2P时代以来，我们或许早已习惯了用“共享”来充当无偿索取的借口。回首即将转身而去的2007年，你的音乐生活除了彩铃和MP3之外，还剩下些什么？你是否有“实体唱片”足以摆在书架中撑门面？你在责怪为什么现在充斥着这么多的声音大便的同时，是否有想过自己对音乐付出过什么？曹方的答案，便是这一张《比天空还远》。

　　同样地，她也抛出了一份自己的答卷，也在期待各位的答案。

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12岁的小铁娘子

 
大热的三兄弟组合

崩溃的小丑们……

　　上周末，我终于在网上观看了风传已久的《美国超级乐队》（The Next Great American Band）。单从这个名字你便可得知，这是五花八门的选秀节目中的又一档，在玩过模特、舞者、裁缝之后，这次的主题回归音乐，并把圈子限定于乐队。在筛选了由全国各州寄来的VCR之后，主办方FOX电视台把60支不同风格种类的乐队拉到了内华达的沙漠里，轰轰烈烈地拉起了新一轮选秀的大旗。而大赛的评委则由《澳洲偶像》的大毒舌Dicko、Prince门徒、打击乐届的传奇人物Sheila E.以及Goo Goo Dolls主唱兼吉他手John Rzeznik担任，获胜者可获得与19 Recordings唱片公司签约的机会，成为理所当然的“美国超级乐队”。

　　上述一段文字稍嫌介绍性过重。从中你不难发现，这是一个用成熟的、常规的电视选秀节目的模式套用于乐队选拔中。其实我们的身边一直不乏这样的乐队选拔大赛，如冰力先锋、百事明日之星等等，以及今年一度风风火火的“超级乐队”大赛，但其针对的受众不过就是大学生及部分年轻人群，因因为其狭窄的路子而变质地沦为品牌宣传的“街Show”。而美国超级乐队在强大的媒体运作支持下展现出截然不同的风貌。暂且不说其规模，单就参加的乐队整体质量来说，已经达到了让人瞠目结舌的程度。如由五位12岁小男孩所组成的“The Light of Doom”，赤裸上身，甩着长发，整一个年轻版铁娘子，而其吉他SOLO还有模有样；被评论力赞并高呼为“梦幻级”Clark brothers来自一传道士家庭的三兄弟，出神入化的布鲁斯加蓝草吉他的演奏甚至已经具备入围格莱美的水准；更有Big Toe三人乐队中的主唱兼贝司手，身残志坚，用双脚弹Bass，甚至还可以演奏出拍弦的技巧，绝对百分百的励志；以及玩着60年代复古摇滚的tres bien、还有夺冠呼声很高的偶像流行乡村硬核乐队Sixwire（与Nickelback有几分类似），整个舞台精彩纷呈，甚至不时会有一只打扮得如僵尸一般的乐队上来，你还以为他们只是一群跳梁小丑，没想到却严谨地给你演奏出一首开心愉悦的Country Music.好了好了，我不再做剧透了。

　　临渊羡鱼，不如退而结网。相信在观看大洋彼岸这些正在热火朝天打拼着的乐队们，国内的摇滚乐迷肯定都在琢磨着同样的一个问题：什么时候，我们也能有自己的“中国超级乐队”呢？2008年作为奥运年，一切选秀节目都得靠边站，那么09年呢？我们能把希望寄托在09年上吗？各大选秀龙头电视台估计一大早就在关注着这个节目，也在未雨绸缪地揣度着其在中国实现的可能性，尤其是最看重音乐性的湖南卫视和天娱传媒，他们怎么可能坐视不理？而在此处，笔者不妨YY一把，设想一下“中国超级乐队”会是怎样的一幅光景。

　　一，评委组成：

　　作为毒舌的代表人物，黑楠、包小柏依然是不可或缺的一份子。尤其是黑楠老师，他对乐队的认识和了解颇为丰富，专业性毋庸置疑。另外，国内优秀的音乐制作人如小柯等也不应错过。至于针对乐队举办的选秀节目，当然需要一些当红乐队或是乐队出身的音乐人坐镇。郑钧本是一个最佳的选择，但估计他被杨二整了一圈之后估计不乐意了。但“我不是随便的花朵”的姜昕、以及五月天等流行乐队也会很合衬。倒是花儿乐队的大张伟驾临会增加无数的娱乐气氛，值得考虑。而中国一些地下的乐评人们受邀参与评审团则会为比赛增添不少的公信力，如郝舫、张晓舟、邱大立（大立老师说话还会手抖，这可以是一个炒作的点），都是不错的选择。

　　二，赛区规划：

　　各大赛区海选的方式依旧应该受到提倡，但可能考虑到各赛区间水准及风格的差异，需要进行一些适当的调整。如北京盛兴No Beijing的西化风，武汉的朋克硬核风，上海的电子风等等。这就要求所属赛区得设置相对的设置针对性较强的评委。而广州赛区或许是一个心病，因为广州本土乐队的式微已经是全国人民公认的事实，是否会出现大批外来乐队涌进广州，而造成广州没有一支本土乐队能够出线的尴尬，这并非是杞人忧天。

　　三，赛制安排：

　　在《美国超级乐队》决赛圈的节目中，每期都设定了各支参赛队伍需要翻唱经典老歌。这是一个相当美妙的事情，我们可以完全挪到中国来。此前冰力先锋大赛曾有过这样的尝试，由于任贤齐作为代言明星，结果主办方要求各参赛队伍皆要翻唱小齐的一首《拯救心田》，结果西安赛区则出现了死金版的“唉哟，我的天，太阳快融化我的脸……”也是一道亮丽的风景线。中国摇滚乐落地20年，其中不乏佳作，翻唱曲目大把地有，《一无所有》《无地自容》等，挥之即来，这将会给观众相当多的惊喜。

　　四，参赛队伍及受众群体：

　　目前全国到底有多少只乐队？其中有多少回来参加选秀？在2007年的超级乐队选拔赛中可见端倪，但我相信以电视选秀的介入方式，所能招揽来的参赛者将会以几倍的数量增加。比较值得担心的是电视机前面的受众群体。这对于平日里听惯了“我和你缠缠绵绵翩翩飞”之类的电视观众们是一个极大的听觉挑战，有没有家长会投诉主办方造成不良影响？此外，乐队的选秀对音响设备的高要求也是一个重要的因素，即使海选，配置了最高水平的调音师，每支乐队也起码需要2分钟的调音时间。以及不排除将会有乐队拖着一大串单块上来，而且拥有优秀现场掌控力的乐队在目前的中国还是少数。

　　当然，上述一切只是对《中国超级乐队》可行性的一个猜想。我们相信实现的那一天或许为时不远，而其所承载的意义则肯定不单单是一个选秀。届时，我定将每期都守在电视机前，饮酒高歌。

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　　2008，狼来了？

　　嗯，你知道我说的不是奥运会。对于关注中国摇滚、关注唱片业的乐迷来说，这也不是什么新闻。环球唱片公司英国总部派来的钦差大臣珂若琳达小姐不仅已经上了《音乐时空》的版面，而且已经“接见”了不少中国非主流音乐人们，而“环球之中国火”的各项人力资源也正在有条不紊地紧张筹备中。种种的迹象看来，狼确实来了，露出了尖牙利齿。但我们并不需要闪躲，而且连我们也不知道自己身上还有多少斤肉来开发。

　　显然，“割肉自啖”在此处肯定是误用的。流行唱片市场这一块“叉烧”在缩水、而非主流唱片市场的“鸭脖子”在膨胀，这对于大众的需求是不利的。当然，环球唱片的决策层相当高明，选择了这样一个最恰当的时机，以席卷雷霆之势介入到“鸭脖子”的领域中，这是一场预谋已久的入侵战。按照环球的珂若琳达小姐的说法，她希望在2008年内签下10位至20位中国地下非主流音乐人，不会拘泥于风格的限制，而是有系统、有针对性的囊括各种流派，并借此细化中国乐迷的听觉习惯，以此形成一个长线的、稳定的唱片生产、销售、推广体系。

　　细心的朋友不难发现，环球非常强调乐迷的“细化”，希望做到的是：让民谣歌迷只听民谣而不听朋克，让金属歌迷只听金属而不听英式。对中国歌迷来说，这似乎难以理解——为什么我喜欢周云蓬了就不能去喜欢谢天笑？首先你必须明确自己为什么会去听周云蓬，为什么又会去听谢天笑？其中是否有一些跟风的元素在里头？你是否会觉得说没听过这些对摇滚乐迷来说是一件落伍的事情？无论是再怎样的爱国主义，你也无法否认当下的中国地下音乐根本没有“乐坛”而只有“潮流”的这一种说法，“地下乐坛”是一个怎么看怎么听都觉得拗口的名字。任何事物在没有充足资金注入的情况下，都不能成为一种良性发展的循环再造系统，而近两年来国内所谓的独立音乐大张旗鼓也不过是流行音乐式微下的一点残羹冷炙。请原谅我的悲观，但这确实是事实。

　　摇滚乐迷的不成熟，与之相配的是整个市场的不成熟。前些年流行英式，流行说金，流行重型，这些年流行车库，流行民谣，流行雷鬼，而摇滚乐迷通常只是在各种流行中闻风而动，人云亦云。当年，老一辈的摇滚乐迷因其当年所处的信息闭塞的年代，抑或是后来逐渐的心智成熟，致使事隔多年之后依然喜欢Radiohead、喜欢Sonic Youth，喜欢The Cure，其与年轻乐迷的区别就好比是经历过牛市熊市而宠辱不惊的老股民与那些眼见全国山河一片而在别人的鼓动下稀里糊涂就入市的新户之间，根本不能同日而语。因此，作为一个有着多年销售经验的老牌唱片公司，环球知道培养歌迷的忠诚度和单纯度对于它的唱片的市场有多么重要。更浅显地说，若中国的摇滚乐迷能和老外那般执着，从20岁到50岁都在坚持听着朋克（金属/民谣/英式等任何音乐风格自选一种），那唱片公司无论出什么碟都有潜在的消费群，根本不需要去感受、去揣摩当下的潮流。

　　而当下的中国摇滚乐，乃至中国流行音乐，恰恰只有潮流。

　　对环球2008年的全线出击，我最感兴趣地就是他们如何能把浮动的潮流营造成踏踏实实的乐坛。当然，这个需要时间，不是一个奥运年就能解决的。从环球目前接洽的艺人来看，包括了从左小诅咒到李志等不同风格的歌手，从中可看出其野心不可谓之不大。对此，我们除了拭目以待，似乎没有其他更好的办法。

　　期待2008。

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　　当下，如果有一个“最被低估的乐队”评选，我相信广州的沼泽应该首当其冲。

　　即使在内地某新晋独立厂牌的通稿文案里，我们的身边一下子涌现出了诸如“中国汽车音乐之王”“华语第一动漫乐队”“宗教金属教父”“华语朋克教父”等牛皮哄哄、振聋发聩的名字，而沼泽也“忝列”其中，被称之为“中国Post-Rock鼻祖”。我没有问过沼泽主唱海亮，不知道他对于这个称呼作何感想。但如果真要在Post-Rock上面较真的话，我也相信许多乐迷、尤其是广东以外的乐迷，对沼泽持保留意见。

　　曾经有朋友称“打死也不听沼泽”，这幅架势十足文艺青年“打死也不听周杰伦”那般盛气凌人。我承认要完整地看完沼泽的整场演出是一场战争，在台下，你想和台上的五人保持同一进度，需要耗费的体力比看其他演出都要多得多。沼泽的音乐有太多太多苦大仇深的东西在里头，即使一如他们的新专辑《失落的梦想》，已经在形式上外化得尽可能地悦耳，你甚至在里头能明显感受到一些来自于Sonic Youth和Thom Yorke这种讨人喜欢的元素，但这丝毫未能减轻乐队所肩负的那些难以名状的责任感。

　　如果你是Joyside，或者是Carsick Cars（纯粹举例，并非特指），如果你无忧无虑地把摇滚乐当作兴趣爱好，当作酒精、香烟、性之外的衍生物，当作快乐或悲伤的流泻，那你绝对可以获得很轻松，可以边抽中南海边乐得抖动着胳膊和腰脚。但沼泽不能这样。你可知道，在这片十年未改其成色的摇滚沙漠里，“玩乐队”或者“做乐队”是一项羞于启齿的职业，会招来一干人等投来的“非我族类其心必异”的目光。在温暖潮湿的南方，在有钱鸟就大的南方，做indie根本不in，做音乐根本不潮。而沼泽作为根植於其上的本土原创乐队，和与非门一起成为十年中硕果仅存的两只，可知沼泽所肩负的担子。海亮无论走到哪儿，都必须为广州摇滚乐树立形象，尽管他自己本身不过是离广州两个半小时车程外的开平人。当他们在一场接一场的演出中把专辑中未出版的新歌演练成老歌，《未来水世界》《时光倒流》《惊隍》《心猿》，无论在哪个角度都越发显得成熟可靠。但他们依然被低估，依然不被大多数人看好。海亮的嗓音依旧被拿出来诟病，而海亮则默默地选择了向乐器化更进一步，在吉他和古琴演奏中越发地痴迷狂热。而这时，又有歌迷跳出来说，这所谓的电声后摇不是我们所期待的后摇，我们要的是纯粹煽情的，一如Mogwai、Mono、Sigur Ros、Yndi Halda.因此，每当我看到海亮南方人那传统的矮小身型时，总会给他戴上一顶悲情英雄的光环。

　　三十岁。大学毕业后毅然选择音乐。从弹吉他起只组过一支乐队。背着重量让人咂舌的乐器去过许多城市。伤了脚一直好不了。饱受质疑与白眼。保持笑容。乐观。而当我在华乐坊的唐宁书店不太费劲地看到这张《失落的梦想》时，那一刻是怎样地悲欣交集。海亮希望我能写点什么，但我实在不知道该从技术或煽情的角度去客观或感性地对其进行描述。只能在夜色里轻轻地和同在一座城市的人们耳语一句：听，这是和我们呼吸同一片氧气，却发出的迥然不同的声音。

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　　关于对巴奈和陈建年的赞誉，你觉得太多了吗？

　　不，这还不够。

　　2006年的秋季，《泥娃娃》《海洋》《大地》的引进，让内地的歌迷可以低成本与他们进行心灵上的亲密接触。从那时起，我就期待着这张现场录音。请发挥想象力，凝视着以下的关键字：2000年9月28日晚，不插电，怀着八个月身孕的巴奈，金曲歌王重回舞台的陈建年。作为原住民音乐唯一的一张LIVE专辑，《勇士与稻穗》无论从哪个角度看都是光芒四溢的。

　　上半场名为“美的稻穗”，由巴奈的一首《你快乐所以我快乐》掀开帷幕。熟悉巴奈的人都知道，她在民歌餐厅驻唱时，在林林总总的翻唱歌曲中，最有个性的便是王菲这首大热之作。当流行歌的框架被慵懒的bossa nova和爵士的小轻佻打破，在充满了即兴味道的配乐中，巴奈中性的嗓音带着嘲讽的语调唱出“不管为什么，心安理得”的时候，听者的心中自有一种纠结。

　　接下来的《南王系之歌》来自原住民的原生态曲调，在四起的掌声和口琴中绽放。当然少不了巴奈浑厚的嗓音。我们从中不难听出巴奈的民族自豪感，乐观、积极、向上。《捆绑》缘于对自身命运的自省和拷问，但和巴奈在唱片《泥娃娃》中相较，有一种大气的超脱感。或许是即将为人母的关系，巴奈在这一晚并没有过多的愤怒和控诉，她表现了更多母性的关怀和博爱。即使是唱“这世界好不公平，怎会有这样的悲剧，因为我是原住民”的时候，她也在事前的talking三番四次地强调“这不是我的故事”。可见，即使是一头爆裂的母狮子，也会有非常温驯的一面。

　　《勇士与稻穗》的现场录音能够让喜欢巴奈的歌迷进一步地了解麦克风背后的故事。巴奈的话很多，在唱每首歌前都会把其中的故事娓娓道来。《白米酒》也是原住民部落的传唱的民歌，类似于《泥娃娃》，巴奈把这首歌献给了她的父亲，而在我们的脑海中立刻浮现起原住民部落围着篝火歌唱的情景。

　　最后一首是人尽皆知的《大武山美丽的妈妈》。如同我一年前在《泥娃娃》碟评中所说的那样，巴奈是这首歌的最佳诠释者。她用略带瑕疵的普通话引吭高歌，细心之下你不难发现耳机中传出来的回音袅袅，在沉重的脚步中孕育着崭新的希望，无比坚定。总之，巴奈的嗓音唱什么都会有难以言传的美丽。

　　下半Party则是“海洋之子”陈建年的专场。“月亮出来，今日候船，独步海边，眺望北空，虫声幽幽，怀念之至……（歌词大意）”当这首纪晓君传唱名作在陈建年的嗓音中弥漫开来的时候，海风已经吹拂到我们的耳边了。经过一段与AM乐团的逗笑之后，《朋友你好吗》继续扬帆起航的旅程。听陈建年的歌总是有一种诚挚，在手鼓和木吉他的起落中，他的声音不需要加任何修饰的技巧，直接传递出一望无垠的美景。总是用几个简单和弦写歌的他没有复杂的元素，所有作品听起来都像信手拈来之作，即兴悦耳。

　　关于献给祖母的那首《MuMu的Blue》大家应该不会陌生，布鲁斯吉他一直是原住民音乐中汲取养分的重要来源之一，当然陈建年在其中也是无尽的可爱。接下来的《雨与你》直接继承了校园民谣的气息，爱尔兰风笛的依然是点睛之笔。陈建年非常喜欢纪晓君，前面唱了一首还嫌不够，又来了个《轻松快乐》，即使全员破音也在所不惜。至此，现场的气氛已经完全自由奔放，《ho-yi-na-lu-wan》也顺其自然地被搬出来，“这是一首随便哼唱的歌，我知道你在乱唱……”，蓝调口琴更是煽风点火地让全场气氛达到了高潮。

　　演唱会以阿美族的《太巴望民谣》结束，正如胡德夫率野火乐集在今年6月来广州巡演时一样。尽管这首歌如此简单，即使你第一次听也能随之大声合唱，但其中凝结着最朴素、最直接的情感却不需要多加渲染。没有文字，我们也能感觉到其对生活的赞美、对友情的高歌。音乐没有界限，人心没有阻隔，这或许就是原住民音乐为何能够穿越海峡感动到我们的缘故。

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　　在摘取了金曲奖最佳乐队之后，苏打绿理所当然地吸引了大家更多的注意。尽管《小情歌》成为了全民K歌，而让人们很容易忽视其音乐的整体性，但作为林玮哲音乐社旗下的独立乐团，获得专业评委的肯定总比小范围歌迷的口口相传要来得有力。

　　平心而论，苏打绿第二张专辑《小宇宙》的惊艳程度与处子作相去甚远，青峰的声线即使再飘忽不定也会有审美疲劳。更致命的是，《小宇宙》中追求的旋律及编曲的复杂让乐队进入了一个死胡同，严重地伤害了歌曲本身的音乐性。试问除了《小情歌》外，你还能记得里面的哪首？对比于处女作，虽然时间要回到两年前，但起码我还能哼出《飞鱼》《频率》《你喔》的调子。因此，金曲奖的赋予对于苏打绿来说还有更重要的一层意义：这意味着他们可以抛开“证明自己”的包袱，全心地回归音乐本身。

　　《无与伦比的美丽》便是这样一张轻装上阵的专辑。从之前流传的宣传带《无美丽》我们便可窥探其中的一点端倪，而大碟呈现在面前时，扑面而来的快乐无疑是加倍的。开篇《游乐》最中的大提琴拨弦声、吉他声、掌声、玩具钢琴声，以及青峰的歌声，交织成一首盛大嘉年华的揭幕曲，也定下了专辑的基调。

　　苏打绿在这张以传递快乐为主旨的唱片里运用了有史以来空前庞大的音乐元素，这不仅停留在数量的丰富上，而是真正地渗透成一种有机的整体，《花茶》便是很好的代表。小提琴的主题音乐连复段贯穿全曲，唯美而带有童话气息的歌词，间奏里的小喇叭，展现了一个具有标志性独立乐团的本色。下一首的Indie Pop典型之作《四季狂想》Bass Line所占的比例相当重，女低音吉他手馨仪美美地秀了一把。《白日出没的月球》同样是贴着苏打绿标签的曲子，急促的旋律背后是天马行空的歌词。倒是那首“摇滚”大作《城市》有着灾难大片配乐的磅礴气质。

　　专辑中也收录了一些芭乐歌，如《这天》《左边》，青峰妖冶的声线赋予了它们气质，只是在《简单生活》曲如其名的民谣小品中纯洁了一小会。其中专辑同名曲《无与伦比的美丽》是笔者最喜欢的。它的背后有一个美丽的故事，详情可见专辑文案，“我知道你会做我的掩护，当我是个逃兵”是青峰和张悬真实的经历，不难听出青峰在演唱这首歌的时候所投入的情感，其与张悬的深厚感情也表露无遗。尽管自觉歌曲的样式和苏打绿惯常的略有不同，或许更偏向于孙燕姿式的小调转大调，但这恰好也体现了这首歌的特殊性。

　　最后以《相信》收尾，很容易让人联想起2001年他们的前辈五月天另一首的同名歌曲，清新的旋律和背后的弦乐搭配更加容易让人浮想联翩。在这里没有任何诋毁的意思，作为台湾独立音乐的忠实支持者，我更倾向于把这个看作是一种传统的延续。时移世易，但总有乐观向上的年轻人前仆后继地歌唱着他们对明天的憧憬。未来，对于他们来说，便是无与伦比的美丽。

　　这是挂盒的绝唱。
　　
　　毋庸置疑，在今后很长的一段时间里，华语乐坛不可能再有任何女子乐队能超越他们。甚至，当我打出“华语乐坛”这四个字的时候，都觉得侮辱了挂盒。从《Yellow Banana》到《Di Di Di》，她们用纯洁的理想、对生活的热爱一直填补着空洞的世界。在倔强地坚持了九年的旅途之后，她们终于暂告一段落。沈静远走大不列颠，而我们尊贵的gia殿下——则是“选择生活，选择工作，选择职业，选择家庭。” 10月25日挂在盒子上新专辑发布会暨告别演出的那一晚，我不知道有多少人会哭得一塌糊涂。她们带走的是我们的青春啊！
　　
　　当《No More Nice Girls》历经艰辛到我的手上时，心内莫名其妙地涌起一阵悲壮的兴奋感。由于某些原因，专辑的曲目顺序全错了，但这丝毫不会有任何阻滞。开篇的是专辑同名曲《No More Nice Girls》，悦耳的吉它Funky已经不能简单地称作朋克。在车库及后摇大行其道的今天，朋克小妞的“沉默，害羞，或者麻木”已经不再是问题了，而这首相对平庸的Opening也只是在HOTB旧有的老路子上虚晃一枪，接下来的《Trio》才进入到正轨。这里所谓三重奏，并非爵士乐或摇滚乐中的乐器共鸣，而在伊莉娜贝斯的铺排下，王悦沈静的人声相互纠结。如果你的耳机足够好的话，在歌曲2分17秒处开始的没有任何保留的嘶吼能够淹没你的所有感官系统。原本这首歌是被当作世纪大爆炸放在专辑最末的，但提到前面同样起到了一种醍醐灌顶的作用。它告诉人们：这是挂盒最后一张专辑，但这并不代表我们会留恋过去的辉煌而做出一张回顾性的、唤醒大家吉他记忆的精选集另一种形式。相反，正因为是我们的绝唱，因此我们要了无遗憾地走完最后这一遭，把所有想玩的、一直没有实现的，都做到里面去吧。在这种放手一搏的心态下，这张专辑反倒成了挂盒有史以来最优秀的作品。
　　
　　你觉得我在夸大其辞？请听随后的那首《Cherry Tree》吧。如此内敛的Indie Pop/Rock小品，骨子里再杂糅着一些New Wave的根源，你甚至怀疑出自HOTB手笔，无论是旋律的编写还是乐器的编搭，其优美得都相当令人动容。原来，挂盒也能够如此从容、内敛。“下面一首歌，《ShangHai》……”作为乐队的一首“老歌”，这个版本的《ShangHai》最华丽也最朴素——华丽的是大量的采样，朴素的是真挚的情感。
　　
　　乐队的尝试和突破还未停止。宁静如水的《Sad and low》带着后摇的气质摇曳在灯光声影中，木鱼、沙筒、人声的吟唱是如此地静谧，而又那样地充满了童话的清新可人。当然少不了那首早先曝光的《Rock Star》了，人声的实验已经被挖掘到了极致，除Bass外所有音效的模仿，伴随而来的则是回顾摇滚星路以来的深切自省，以及感性。
　　
　　不仅又想起黄仁宇在《万历十五年》第三章的那个煽情的标题，世间已无某某某。而gia殿下在唱片内页的末尾处这样写道：“理想貌似是实现了，但是结尾并不像当初想的那么辉煌，曾经的光鲜都被经历，而留下的是朴素的沉淀。对于这也许是收尾的绝片我很满意，并没有留下任何遗憾，用最后的热血把摇滚燃干。忧伤的小妞啊，这是你的骨肉么？”诚如其言，这是一张锐意进取的唱片，完全不像是一个即将（现在则是已经）分道扬镳的乐队能展现的状态，这不得不让我们对挂盒某年某日的复出重组抱着一丝希望。即使忧伤的朋克小妞已成了风中往事，但那一分勇气和执着无可磨灭。

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　　在这个娱乐至死的年代，我会认为刺猬的包装和推广是极其不成功的。两男一女的3P搭配（其中有生猛的女鼓手），集流行潜质、可听性、舞台煽动力融一炉的功底，这样好的料子竟没有在专辑的文案上看到有任何体现之处。除了疑是新裤子庞宽设计的恶搞封面上能看到几张熟悉的嘴脸，《噪音袭击世界》的外在基本没有值得一提之处。

　　当然，前面一段不痛不痒、无足轻重的贬低不过是为下来的褒扬作准备。作为一支以现场火爆与激情著称的乐队，刺猬出人意料地在专辑里展现了细腻柔美的一面，且丝毫没有失掉自己的成色。尽管在专辑几处空白里能听到明显的电流声，但丝毫不影响我用“精致”来形容它。开篇曲《玩具和61儿童节》在北京Live house中早已是大热作品，三大件的流畅自不用说，朋克的痕迹与骨子里民谣的旋律内核配合得丝丝入扣。“When I Was A Child I Can Do All Things I Thought；If I Was A Child I Can Try To Forget Now.”勇往直前的冲锋口号并没有丧失它的鼓舞性，而细心之下你还能发现这其中还蕴含着一丝带着涩味的忧伤。紧接下来的《南瓜》没有让人喘息的余地，乐队出众的技术，尤其是阿童木在密集的双跳时对擦片的控制、以及吉他在低音区的徘徊前进都尤其让人称道。而电子的应用和人声的铺排作为专辑与现场在编曲上的最大不同体现得也很明显。

　　在长度只有1分40秒的Grunge作品《小鬼儿》之后，迎来了专辑中最令人啧啧称奇的大作《Love Tosh爱之废语》。这甜蜜温柔的歌竟然来自刺猬？在亦步亦趋的节奏里，在电子音效的零敲碎打里，阿童木每每在唱至“tosh tosh love tosh”时尽显的可爱俏皮，子健拿捏得恰到好处的和声，刺猬给我们展现的区别现场张力之外的另一面才华，但同样足以让我们瞠目结舌。无论是饱满的编曲还是前置的人声，乃至最后阿童木的那句“你的眼神如此兴奋，你的尺寸如此惊喜”（your eyesight is exciting，your size is amazing）“更是把《Love Tosh》推到了一个完美的高度。

　　刺猬是充满童趣的，它会在《龙珠》里面用看似并不贴合故事情节的曲调牵扯你的回忆；而刺猬又是直接的，在专辑同名曲《噪音袭击世界》里丝毫不掩饰自己的需要，不会像声音碎片《世界是噪音的花园》那样磨磨叽叽地搞一些迂回曲折的赋比兴，同样的还有《我们最后的话》。但正如前面所说，刺猬在老道的舞台演出给人们的既成印象只是这张专辑的一部分，更多时候他们在寻找音乐上更多的可能性。《新星新星》的唯美内敛、《这不是你自己但这是未来》对电音和旋律的实验、《分离》对吉他Riff的追求和对Nosic Pop的拓展，这些何止是进了一大步。

　　刺猬用这张专辑告诉人们：他们不仅只属于现场的Pogo，也属于你的CD随身听。

　　毫无疑问，张亚东是近十年来中国最有才华的音乐制作人。在他创作巅峰期的那几年，各大颁奖礼的“最佳制作人”奖项总是被搅和得不好意思。时至今日，歌后王菲声称要退隐歌坛，而张亚东在做些什么呢？当名利场对他已经不具备任何吸引力的时候，他把自己的战场依旧定在幕后，不过是挪到了另一个位置。创建“东乐”品牌对其是一个全新挑战，为一群名不见经传的小伙子打造专辑，这和以往天王天后级的料理截然不同。因此，大家都对其首张成品《东乐园》倍感期待。

　　先声夺人的是美女苏丹，她的《Who You》很容易让人联想起王菲，联想起张亚东、林夕、王菲时期的铁三角，流畅的英式吉他Riff更是张亚东最最拿手的一环。苏丹的声线是纤细的，混搭着甜蜜和古怪，而饱满的编曲正好弥补了她在气息方面的一些弱点，著名录音师颜仲坤的加盟更从质的根本上保证了这首主打歌的力度。另一首《黑色雨衣》则同样来自苏丹个人的创作，在这首快版的另类流行曲中，起落的爵士键盘和音及小SOLO又成了亮点。尽管苏丹的演唱让人稍稍有些“赶”的感觉，但在松驰有度的把握上还是体现了她对音乐极强的驾驭力。作为《东乐园》主推的创作女声，苏丹的表现相当抢眼。

　　张石荻作为有着学院派背景的歌手，他的唱功当然毋庸置疑，你可以毫不费力地在《白色呼吸》里面感受到他在每一个转音处的细节拿捏，而这使得他在演唱这种带有一点RNB味道的慢板芭乐时得以手到擒来，最后的真假音衔接也倍感养耳。定位为“疗伤派”歌手的张石荻不可避免地带上了一点台湾腔的俗气，但无妨，亚洲爱乐乐团的压阵很好地为歌曲提升了一个档次，在《懵懂》中你能听到精彩拉勾拨齐齐上阵的精彩弦乐。

　　接下来在R&B上路继续高歌猛进的孟楠完全可以把她看作是一个女版的陶喆。《In Control》有着所有成熟作品所需要的特征，从编曲到唱腔，不一而足。细听之下，你又能发现孟楠的另外一面。《只要喜悦》，她的声音变得又相当地放松，带有沙发音乐的轻盈和舞动，个中还透露出迷幻色彩。这首歌甚至能放到Club中播放。

　　张黎雯是《东乐园》中亮丽的一笔。一把吉他，一个干净的女声，全英文创作的歌词，《perfect future juice》完全符合当下小清新大行其道的审美标准。在亦步亦趋的吉他分解和弦里头，张黎雯的演唱永远是那样懒洋洋，仿佛是光着脚在后花园里晒着太阳。即使是间奏中忽然来了轻快的一段舞步，她也能随心所欲地应付自如。如此的吉他型创作才女，是否会成为下一个陈绮贞、张悬？咱们走着瞧吧。

　　在开门见山的《自由舞蹈》中，未来脚踏车掀开了他们倡导的音乐与生活。你能在之前的一些当红乐团中找到三位80后的大男生影子：五月天、达达乐队……但无疑未来脚踏车更加年轻而有朝气。他们的歌曲不喜欢讨巧，爽朗而整饬的节奏充满了阳光与帅气，稳健的贝斯和鼓点彰显了乐队旗帜鲜明的态度。而《汉堡与肉饼》则更加凸现E时代的乐团特色，充满了卡通色彩的歌词极为健康向上，为我们展示了新时期流行摇滚乐应有的模样。

　　压轴出场的果味VC无需多加介绍，两张专辑《双重生命》《来自果味VC的礼物》，已经为他们树立了一大圈坚定的歌迷，而在《来自果味VC的礼物》中，他们更是用让人头皮发麻的中国式英伦摇滚令人信服地证明了自己不会比Coldplay逊色。张亚东作为英式吉他音墙的坚决拥护者，把中国最优秀的英式乐队果味VC招揽旗下当然是顺理成章的事。而果味VC这一次一上来先是一首《落叶纷飞的季节》，区别以往的作品显得“重”了许多。不知是否是收到了瑞典同行Kent的激发，果味VC也尝试把更加有力的吉他节奏融入了歌曲中，虽然未能与朋克混为一谈，但至少向来被“无病呻吟”诟病的他们，也能在其音乐中听到了夕阳的余辉、秋日的海岸、逝去的青春。另一首《夜空多灿烂》则更加地具备优雅的气质，最初的键盘低迷而绮丽，紧接着的军鼓切分打得味道十足，副歌部分的释放毫无征兆又无法阻挡，果味VC只需要两首歌便可捍卫自己国内英式霸主地位。

　　很高兴能看到张亚东在荣升“张老板”依然保持强劲的火力。非常厌烦在唱片文案中经常出线的字眼“保驾护航”，但此刻确实没有其他更好的形容词来阐述张亚东在《东乐园》中发挥的重要作用。在“张老板”文艺气息的引导下，这是一张没心没肺的专辑，这是一张无主题的专辑，这是一张传递快乐的专辑，这是一张自由至上的专辑。当然，最重要的是，这是一张好听的专辑。

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　　我可以自豪地说，自己是随着my little airport一起成长的。当他们高举《在动物园散步才是正经事》旗帜时，我在每个周末的午后都会随意去造访广州打口天堂“第一印象”；当他们高唱《Gi Gi Leung Is Dead》的时候，我也适时地感慨着青春的凋零和衰亡；当《毕业变成失业》作为时代性话题呈现在每个年轻人面前时，我又正好处在大学毕业后家里蹲的状况。当然，事后我在采访阿P的另一位好友Oliver时得知，阿P本人在TVB8频道工作，而Nicole则任职于一家杂志社，因此这首歌纯粹是代社会立言罢了，不过my little airport的济世情怀依旧值得嘉奖。

　　从港产小文艺青年的单纯可爱，到今天发泄着最后一丝青春期自恋和任性的情绪，my little airport的改变是显然意见的。上张专辑中，他们就改用摇滚乐配置进行着隐性的渲泄，香港乐评人袁智聪用“清新呛喉”来形容，但这一说法如今已说不通了。尽管他们呛喉依旧，但至少清新的成色已经弱了许多，更多的忧伤和怨愤占了歌曲的极大元素。如《Indie悲曲》这种赤裸裸的对独立音乐艰难处境的描述，这在my little airport之前的歌中是不可想象的。与之相匹配的是专辑编曲越来越摇滚化，朋克的概念进一步衍生，刻意而为之的粗糙演奏依然获得了大家的追捧，如《让我搭一班会爆炸的飞机》从技术的角度来说是拙劣的，但显然这种“故意”的拙劣以奇兵之势赢得漂亮。

　　当然，作为MLA出道至今最为之称道的杀手锏，卡西欧电子琴同样抢眼。在《悲伤的采购》中，阿P再次把Casio发挥到极限，迪士高式的节奏尽情地自我嘲讽和戏谑，仅凭一人之力便勾勒了如此凄凄惨惨之景：“订了一季，又到下季。为何人大了就要成为工作的奴隶？最爱做的不可发挥，我的感觉，逐渐流逝。从前曾说过要如何欣赏世界的美丽，现在只懂得放假去消费。如果继续这样，我还是我吗？我还喜欢我吗？或者我应该死去吧，总好过变得更差。”这几乎是每一个刚从学校毕业、独自一人继续离乡背井地在一个陌生城市为生活白手起家的情景。如果再加上一些物价飞涨、通货膨胀的后续报道，这首歌更加能够作为年轻人的心声。尤其是在快节奏的南方，如和香港比邻的城市广州，会更加体会到物质至上的社会文化对个人空间的无限量压缩。

　　每张专辑里，MLA都会保留一首三拍子的歌曲，而这次是更加精彩的《和陈五MSN》，同样的Casio搞定一切编曲，键盘演奏相当精彩，“我说我们不如结婚，但结婚之后要分开住分开睡。然后你问那为什么要结婚？我说和不太熟的人结婚应该会很开心。”这种本来应该属于末世纪的颓废我们在刚刚分娩安妮宝贝的小说里屡见不鲜，但以这种旗帜鲜明的垮掉派形式在MLA音乐中出现却是第一次。

　　《我们在炎热与抑郁的夏天，无法停止抽烟》，这或许会是MLA至今为止最受国内文艺青年们追捧的一张专辑。这不仅在于他们的歌词足够直白讽刺——实际上，懂得粤语的歌迷还是少数，且据笔者观察，粤语方言区的歌迷对他们的感冒程度远不及北方。但让人吃惊的是，MLA的第三张专辑竟有如此大比重的法语。在此之前，从网络上传播的MLA的一些小样里，我们仅能知道的只是他们对于NICO&地下丝绒的热爱，但在这张专辑中展露的对法国文化的玩味确实毫无预兆地让人咂舌。由于笔者忝在《南方都市报》撰写一介绍法语音乐的专栏，有不少朋友都来问我说专辑中的法语歌词是什么意思，但其实他们的创意并非简单地停留在语言的表面上。Intro里《j'ai peur》口白的阿雪，让人恍然大悟地知道原来她早在《白田购物中心》时就已经小试牛刀了。之后的《japan实瓜》则相当甜蜜，“You said 'je pense a toi'， but I said 'Japan實瓜'”（意为：“你说‘我想你’，但我说‘JAPAN实瓜’”），这种小浪漫通过简单的人物对白边塑造了足够让听者遐想的场景。最让人惊喜的还是《美孚根斯堡与白田珍宝金》，暂不说其歌曲内容怎样，单是吉他拨弦下的简单吟唱再配以两人充满浪漫的诗白，还有曼妙的口琴与玩具小钢琴，这些就足够让人陶醉的不能自已了。细究之下，终于读懂了歌名的意思。根斯堡和珍宝金是法国流行歌坛最富盛名的一对夫妻，即Serge Gainsbourg和Jane Birkin（普通话翻译一般为塞尔日·甘斯堡、简·伯金），前者是已逝法国流行音乐教父，有“法国猫王”之称，涉及音乐、诗歌、舞台剧、导演等几乎所有艺术领域；而简·伯金作为他的“后妻”，同样也是法国著名的演员、歌手，两人合唱的“情欲之歌”《Je t'aime， moi non plus》因歌词太过露骨还一度成为禁曲。从上世纪六十年代一直红到今天的他们，虽然甘斯堡早已逝世，但简·伯金还在孜孜不倦地唱着歌，去年仍有新专辑发行。当你了解了这些背景，再对香港的地理环境稍有了解的话（美孚区、白田区都是香港的居民区），才会更明白什么叫做“我们是香港最后一群缺乏社交技巧的诗人，我们是演奏家、思想家；我们是迷失在森林里的旅人，在同样不仁慈的善良与邪恶之间，与潮人抗衡；我们喝着凉茶听着音乐，大口大口地把烟喷到天上，日出日落，我们如在巴黎法国。”

　　这也是“我们在炎热与抑郁的办公室，无法停止写诗”的真正含义。这一刻，我们随着MLA的音乐，嬉皮士式地跳出了这个石头森林。