• 有一张漂亮的脸蛋,姣好的身材,以及不错气质,如果还能创作,还能演奏乐器,嗓音委婉动人,这是否就是流行乐坛的大杀器?

    就以上的标准来说,Olivia Ong是绝对符合的。和另一位竞争对手王若琳相比,奥莉薇亚或许没有王醇厚如Cat Power的声音和底蕴,但在外表上绝对是完胜的。可在此之前,我对奥一直不待见,原因很简单:她玩的爵士太过浅薄,Bossa Nova这块要甜而不腻实在考人,Olivia和她的前辈Lisa Ono相比实在还有很长的一段路要走。

    但《Romance》是一张令人刮目相看的专辑。在《首张同名专辑》、《夏夜晚风live》取得了尚且不错的成绩之后,Olivia竟看似做出了“倒退”:没有往jazz的路子继续前进,没有艺术上的追求,反而做出了一张泛流行化的《Romance》。在这张主打浪漫概念的专辑里,反倒是充斥着各种时尚的流行元素,要论浪漫或许还比不上前作。可正是这样的以退为进,却取得了奇兵的效果,为Olivia打出了一片天。

    如之前所说,以Olivia的声音条件和积淀,在爵士女伶圈想占有一席之地很困难。她太单薄了。可这就好比举重运动员、柔道运动员,通过减肥,把自己下放到轻量级的角逐里,反倒杀出一条血路。同样的,足球迷们也可以理解为这是皮尔洛式的组织型中前卫战略性后撤,或是穆里奇、克莱奥、孔卡来中超捞钱虐菜。

    作为一张流行专辑来看,《Romance》几乎无懈可击。哦,除了那首雷人的《隐形的翅膀》英文版。诚然,作为以英文歌见长的Olivia把中文歌当做了新专辑的主打部分,这多少让人始料不及,可其作品都展示了很高的质量。如《海枯石烂》,在简单的吉他、钢琴、弦乐中,即使歌词稍显流俗,但也被高传唱度的旋律抚平;《Ready For Love》讲述的是现代小白领女生成日幻想的发生在电梯里的邂逅,糖衣炮弹的失真吉他包装,以及“等待我沦陷”“牵手去流浪”“准备被理智出卖”这样的充满煽动力的字眼,无不是精心打造的成果;《要你管》展现了她演唱的灵气,而这种灵气并未因为演唱语言的转换而流失;《边走边看边想》则是当下最流行的舞曲,估计也是奥莉薇亚迄今最大陆的演绎,但即使如此,也自有一份甜美飘逸。

    于是,有时候你会觉得,那首《隐形的翅膀》英文版是为了反衬Olivia在中文歌曲演唱上的进步而设置的。唱片制作团队即使了解这首歌在我国大陆的二三线城市中的传唱程度,也不应该收录在此,不是么?和Olivia的受众完全没有共鸣啊!

    总而言之,《Romance》是一张漂亮的范本,告诉大家如何从高端市场转型进军中低端市场,并突破语言桎梏成功地完成本地化的过程。其中,Olivia的天分包括可塑性、学习能力固然可贵,但也别忘了她背后的华研——这或许是当下最懂营销的唱片公司吧?

    http://music.yule.sohu.com/20110808/n315738180.shtml

  • 据说许多读者都在翘首期待,想知道我是如何评价曾轶可、卢广仲新专辑。

    过往很长时间里,我常会天真地认为,除掉唱片公司本身的包装,音乐人最核心的就是其作品,音乐品质的高低是他在整个演艺生涯到底能走多远的决定性因素。“好的音乐就应该取得相应的位置”,这听起来蛮像诸如“努力就一定能成功”的泛成功学。

    可音乐毕竟是由“人”所创造的,音乐人首先必须是一个自然人,七情六欲,贪嗔痴就必不可缺。于是,我们见到了许多矛盾体。最典型的莫过于朴树、许巍,要用合约去框定他们,必须保持一年一张专辑的产量,这简直是不人道的。但对于商业体系来说,签约音乐人必须帮助所在的公司创造价值,天经地义。

    兜了一圈,其实我想说是,从卢广仲的《慢灵魂》和曾轶可的《一只猫的旅行 Forever 21》来看,他们两者或许都不是那么地适合成为艺人。

    “如果曾轶可一开始就以现在的样子示人,大家对她还会有非议吗?”著名时尚撰稿人、国内选秀学研究者狠狠红在曾轶可首张录音室专辑面世后,这样问我。我必须承认,高晓松、沈黎晖没有看错人,他们在曾轶可粗糙的歌曲小样、低劣的舞台表演中,窥见了其音乐在包装后能够到达的效果,曾轶可在其掌握的仅有的音乐素养中,能衍生成“90后”的种种物象意向标志,不得不说是一种天赋。如我之前所说,新专辑中的一首《夜车》是去年我所认为的内地最佳单曲——这是一首中国所有向往郭敬明小说叙述情景的小镇青年们的晚安曲。

    但曾轶可新专辑的精彩似乎也仅止于此。是的,曾轶可碰到了新秀墙,或者可以叫做“第二张困难症”。她的第二张专辑装帧设计都很精美,但歌曲品质却相当一般——即使是在精致的编曲下,依然掩盖不了整体的散乱、无主题、拼凑剪贴。除了《夜车》,以及那首神似mika、lenka等时尚潮流风的《Baby Sister》——别忘了,这其实还是编曲的功劳呢。曾轶可赖以闻名的、在稀疏平常的歌词与旋律中冷不丁地流露出来的闪光点,我确实在这张专辑中没办法找到了。拜托,别告诉我,《Forever 21》是向鲍勃·迪伦的《Forever Young》致敬就好。

    同样的,卢广仲来到了他的第三号作品,同样也碰到了这堵新秀墙。他的问题在于,陷入了“自己抄袭自己”的怪圈。《慢灵魂》里面,每一句歌词,每一段旋律,每一处的编曲,都能在上两张专辑里头找到极其相似的“上篇”。《别在我睡着的时候打电话给我》和《早安晨之美》一样是对吃早餐、请我吃早餐、不请我吃早餐我就去抢你的早餐的牢骚;《慢灵魂》则和《100种生活》情绪、设计同出一辙,尤其在歌曲内容方面,“星空”、“生活”、“困惑”、“我的世界”,各位读者、听者自有判断;《就像白痴一样》=《我爱你》=《爱情习作》;《蓝宝》=《吉米宝贝》=《无敌铁金刚》;《After Dinner》=《I No》。不一而足。

    对于卢广仲来说,最大的敌人不是林宥嘉、萧敬腾、严爵、萧闳仁、谢和弦、蛋堡,而是他自己。他当然需要制作人的指导,需要唱片公司对他的规划,但是他同样也需要空间和时间。对于我来说,他出唱片的脚步走得太快了,即使他高喊“再来一次”(上张专辑最后一曲《再见勾勾》),试图让大家再现《100种生活》时惊喜的心情,可这并不容易。当然,我在新专辑《慢灵魂》中看到了卢广仲做出的改变,他尝试了一些新的音乐元素,但还是显得有点力不从心。

    这或许都是创作型歌手在商业化过程中所面临的共同课题,就算创作力再旺盛也经不起揠苗助长的折腾,但在才人辈出的乐坛,不保持曝光率,成吗?

    这是天娱、添翼所需要思考的问题。不是我的。

    (http://ent.qq.com/a/20110809/000348.htm)

  •  

    地址:http://site.douban.com/widget/notes/3264809/note/165192669/

    推荐了广州三组民谣/民歌音乐人。

    ————————————

    邹广超 

    http://site.douban.com/zgc/

    邹广超或许是我所认识的最优秀、却又最被低估的民谣吉他手。在广州著名民谣乐队“秘密后院”中,你总能轻易地从众多乐器的音色中被他的演奏牵引过去。无论是吉他、秦琴、三弦,他总能不卑不亢地准确捕捉到自己应该出现的位置,不仅能以琴音演奏出主唱小匡未能尽兴之处,更能在自己的演奏里延伸出另一种独立的审美。

    在国内民谣吉他手中,许多人都喜欢把这一西洋乐器演绎成古琴,但大多数人尽停留在音色、音阶的模仿,真正能抓住古韵精髓的,私以为邹广超在这一领域无出其右者。可听听他的《琴箫合奏》,这种人琴合一的音随意动,会让你想起那个失传已久的称谓——“琴师”,以及瞬间将你带到魏晋风骨、属于嵇康的那个时代。

    作为独立的发声个体,邹广超之歌曲创作也有他独到一面。2007年独立发行的《关于我们的生活》是一张“也无风雨也无晴”的佳作,出色的吉他技巧、对和声的巧妙运用很好地弥补了他嗓音表现力上的不足,同时他总能写出朗朗上口却又充满情调的优雅旋律,更别说那腻的间奏、过门,以及色彩浓烈的挂留和弦、属七和弦了。如果硬要给他贴一个标签的话,那么“南派都市新民谣”或许会是一个比较贴切的形容。但,他的音乐没有任何人的影子。

    推荐曲目:

    江南西的夜》《琴箫合奏(江湖边初夜)》《

     

    瓦依那

    http://site.douban.com/wayina/

    这是一支来自广西南丹的山歌、民歌乐队,由两个小伙子组成,现居广州。第一次听到他们是在林生祥《大地书房》巡演广州站的现场,瓦依那作为暖川嘉宾,感觉就像刚结束了一天的劳作,洗干净手脚的泥巴,背着吉他就跑到台上来了。的确,他们本身就是农民。林生祥后来说,一开始对瓦依那没有什么了解,但看了他们的演出,印象很深刻,觉得这个暖场乐队的选择非常合适。我也认为是这样。

    在豆瓣音乐人的小站上面,他们的每首曲目都很短,很多都是一个片段,或一个动机,当然也可就此对他们的音乐进行小小的管中窥豹一番。他们的音乐是原生态的,有机的,无公害的,满是泥土的芬芳。你或许会发现他们的吉他演奏出锤了,但这并没有关系。他们还原了音乐对于劳动者来说的原本面貌。对于我来说,瓦依那让我回到了小时候生活的家乡,有在河畔大榕树下纳凉的、唱着山歌的,有在夜晚围着篝火又唱又跳的,还有村子里婚丧、祭祀时候的喧哗吵闹的。对于城市里的听者,这一切是新鲜的。但对我来说,确实无比熟悉亲切的。

    现在,瓦依那在广州乐评人中好评不断。但他们的音乐其实并非阳春白雪,是属于这个对土地有着莫名眷恋的整个民族的。

    推荐曲目:

    跳舞-合水镇》《土琵琶》《忻城天莫老爷的天

     

    叶宏钢

    http://site.douban.com/yehonggang/

    同样来自广西(柳州),现居广州。昵称阿钢、“皮帽子”,并因精通埙、巴乌、笛子、箫等中西吹奏乐器,有着“吹吹钢”的雅号。曾任夜郎“南蛮乐队”、“秘密后院”乐队吹奏乐手,并在深圳、广州两地酒吧驻唱多年(小道消息:当年陈楚生还在深圳的时候,阿钢常和他散场后打桌球),除通晓无数“流行金曲”外,自创曲也积累了一大摞,可谓多才多艺。2009年,独立发行首张个人专辑《将进酒》。2011年起以“米粉乐队”活跃于喜窝、tutu等广州live house。台湾著名独立教父张四十三上月来穗,在偶然间看到其演出,大为赞赏:“这个乐队真有趣!”

    叶宏钢的音乐大致分为三种:广西山歌、古调新唱、自创作。但在大部分的时间里,我不会把他们分得太开。听他的《四五拍》,那摧心的唢呐一响起,现场的气氛立即随之沸腾起来。广西米粉全国闻名,除了桂林米粉外,柳州螺蛳粉、南宁老友粉等等,均让人“吃过翻寻味”,而叶宏钢之乐队以米粉为名,乍看之下或许觉得太过粗鄙,但细嚼后却也觉得其音乐之力道、市井之生猛,确实无愧于广西这一招牌食品之名。

    叶宏钢还有许多中国古典诗词改编的作品。如《关雎》《将进酒》《桃花庵歌》《明日歌》《念青丝》等等,竟占了他的作品中一大块篇幅。而他的另一首代表作《赠一位徒步流浪的小伙子》同样显得古香古色。值得一提的是,这一张录音室作品《将进酒》中除手鼓外,所有的吉他、吹奏、小打,均是由其一人之力演奏的。

    在《将进酒》的豆瓣页面,有叶宏钢的妻子写给他的一段话:“从不太会上网,到会用音乐软件做编曲;从只玩流行音乐,到会吹奏各种民族乐器;从不太爱看书,到会背诵诗词歌赋。”

    忽然我就感动了。

    推荐曲目:

    四五拍(现场)》《关雎》《赠一位徒步流浪的小伙子

     

  • 2011-08-03

    向理想致敬

     

    “沼泽”乐队是被称为“摇滚沙漠”的广州里现存最老资格的摇滚乐队。在我最初来广州读大学的时候,他们的名字随着“救救妹妹”活动而被大众所知;之后我有幸与沼泽的队友们成为私交甚好的朋友,也同台演出过,在瀛洲烧烤场一起郊游过。他们迥异于外界所认知的摇滚乐队形象,乐队主创核心海亮文质彬彬、满腹经纶,而吉他手细辉除了摆弄效果器外也和普通大男孩一样钟情于电玩游戏。他们和中国其他地下乐队一样,通过正职工作维持生计,以此为基础进行音乐创作——还好他们的正职工作是演出策划、音响设备服务等,与音乐没有离得太远。但他们依旧拿出了乐队成军十年的作品《沧浪星》。这同时是他们迄今最成熟的作品。

    “成熟”二字或者不太适用于沼泽。有的艺术家从处女作开始风格就趋于成熟,有的却一辈子都无法“成熟”起来。沼泽最开始以英伦摇滚起家,夹杂着电气化的处理。那时海亮还是名副其实的主唱,他的声音里听得出许多分Radiohead之Thom Yorke的影子;之后沼泽逐渐减少人声的部分,器乐成为主角,可乐队的跨界还在继续,大量影像的融入也让现场演出更有层次。到了《沧浪星》后,沼泽以充满了东方韵味的古琴,几乎完美地与吉他音墙融合到一起,中西碰撞下的文化冲突竟有一份奇异的审美。在上周日的雕塑公园TU凸空间里,他们在结束了全国十个城市的旅程后,终于把“沧浪古琴游”系列巡演带回到广州。这多少有点衣锦还乡的味道。但海亮告诉我说,《沧浪星》的古琴器乐摇滚可以算作是乐队的一个阶段的总结,但或许不会是终点。沼泽未来的音乐到底会走向何方,现在还说不上。我由衷地佩服他们,在这个城市里还能有这样如此纯粹的理想主义者。

    让我吃惊的还有广州另一支独立乐队Golden Cage。2008年第一次看他们现场的时候就留下了深刻的印象,漂亮的吉他和鼓点编排,酷似呛红辣椒的Funk Rock风格都让人耳目一新。本月,他们发行了乐队的第二张唱片《How to Grow Old Gracefully》,中文大意是“如何从容长大”。如他们在专辑文案中所说,过去的几年中,他们从学业、毕业、失业、就业、创业中成长,音乐就是纪录。在面对青春的衰退、自己的老去,“如此生活三十年,直到大厦崩塌”,该以如何的心态去面对呢?在此,Golden Cage悄然蜕变,音乐风格也转变成更为硬朗和型格、充满更多可能性的独立另类摇滚,越发地展现出乐队的个性与精神。和沼泽的《沧浪星》一样,这张专辑也是广州摇滚乐队久违的扛鼎之作,足以成为广州摇滚的名片。

    让我们再一次向理想致敬。

    (刊于今日《信息时报》。在该处的供稿暂告一段落。感谢豆腐师妹。)

     

  •  


    图:姚万俤。

      在我最初得悉艾米-怀恩豪斯的死讯时,我以为是一个国际玩笑。什么?又是27岁?

      但随后,媒体证实了这一消息,尤其是看到她的遗体被搬运上车的照片时。证据确凿。但我还是无法接受“毒后”成为继吉米-亨德里克斯、吉姆-莫里斯、珍尼斯-乔普林、科特-柯本后,“27俱乐部”的又一名新成员。

      2008年的格莱美,艾米凭借《Back To Black》包揽五项大奖是她生命中最高光的时刻。同时,这也是我人生中最难忘的一届格莱美。在那个春节里,我只在老家短暂停留了两天,便急急忙忙地赶回公司,从凌晨3点开始进行格莱美颁奖礼的报道,艾米完美的演出是对疲倦与困顿中的我最好的慰藉——而且,她当时因为护照和健康问题未能来到美国洛杉矶现场,却是通过卫星转播在英国为全世界的观众奉上其经典曲目《Rehab》。

      在我心目中,《Back To Black》是近年最佳流行专辑,而艾米本人也是掀起时尚复古风潮的领军者,她比当下不可一世的Lady Gaga毫不逊色。我甚至会觉得,她的放浪形骸充满了上世纪六七十年代垮掉派的气息,嬉皮士式的对世事不屑一顾、乖张乃至自残的行为,很容易让人联想起另一位女歌手珍尼斯-乔普林。艾米代表的是21世纪第一个十年里的一抹浪漫气息,她复古的不仅是其独特的略带沧桑苦涩的嗓音,还有久违的极端个人主义、理想主义。

      让我们此刻默哀一分钟,深深地怀念这一遭短暂但辉煌的生命。

    http://yule.sohu.com/20110726/n314555167.shtml

     

  •  


    瑞典国徽。值得注意的是瑞典的国家格言:“为了瑞典,与时俱进。”

    在外围皇冠的包围下,中间是两只金黄的狮子,簇拥着又一个小皇冠,里面又有四个象限,里面还有一个小的徽章。这或许是全世界视觉设计上最复杂的国徽了。但它的人民生活却很简单:永久中立国,少数未参与二战的国家;在中国人看来匪夷所思的“斯堪的纳维亚福利”高福利政策,介乎社会主义和资本主义之间;世界上少有的从小学到大学实行全部免费教育的国家;联合国开发计划署的人类发展指数中名列前茅;取得良好平衡的行政法院与议会督导制度共同监督政府行政的政治制度;在现代高新技术产业上处于世界领先;在林业配套加工工业上产量和出口量具世界第一但却依旧保持森林覆盖率的长期稳定;有着宜家、爱立信、伊莱克斯、H&M等国际知名品牌,并是世界上拥有跨国公司最多的国家;同性婚姻合法化;文化、体育均在世界领先;人中伊布,马中赤兔;诺贝尔每年在这里颁发。

    这是一个近乎完美的国度。瑞典,也是“龙纹身的女孩——千禧年系列”的故事舞台。


    宜家。我最爱的品牌。Logo由瑞典国旗蓝黑二色组成。

    广告语中,“在瑞典,平均每三个人就拥有一本《龙纹身的女孩》”,在欧洲,这是一本继《达芬奇密码》《暮光之城》后最畅销的小说。书中讲述的是名为布隆维斯特的《千禧年》杂志社记者为朋克少女莎兰德洗雪冤情、并最终以此掀翻政府一秘密组织的故事,而作者斯蒂格·拉森本人便是一位任职于瑞典中央新闻通讯社呃记者,积极投身反法西斯运动,长期致力于揭发瑞典右派组织的不法行为,多年收到死亡恐吓与威胁。拉森在2004年完成千禧年三部曲之后,并未来得及看到作品的出版,便因心脏病不幸去世,时年50岁,也或多或少为全书增加了一笔悲剧与传奇的色彩。

    《龙纹身的女孩》同名首部曲则是以一个古堡故事引出了男女主角的交集,以及交代了莎兰德的身世背景;第二部《玩火的女孩》则是故事的发展阶段,开始产生各种暴力冲突,莎兰德身上各种迫害开始浮出水面;而第三部《直捣蜂窝的女孩》则直指核心,并把个人的不幸扩大至对体制本身的控诉,暴力元素的成分降低,但故事依然紧凑而充满张力,作者在长期新闻写作中所积累的对客观事件及佐证的翔实报道能力在此展现无遗。而整个三部曲笼罩的阴霾气氛在最后的结局中也被一扫而光,让人大呼过瘾。对于犯罪类的类型小说,《龙纹身的女孩》强调的不是解密本身,而是布隆维斯特为公义的一往无前,以及莎兰德身上的坚韧与抗争,嫉恶如仇的直率性格。相对于当下惯见的复杂人物角色塑造,千禧年系列反倒是回归了简单明了的脸谱性描绘,这让读者非常爽快。

    这里不考究全书在欧美市场的热销和热捧,仅说说对于中国读者来说的启迪意义。


    人民文学出版社。封面。

    如上所述,瑞典几乎是地球上最完美的国度,但高福利政策下普遍存在的人口结构老龄化、年轻人缺乏就业活力等问题也同样存在。女主角莎兰德外型上是一个北欧的朋克非主流青年,而她全身上下打满的洞洞、背后的大纹身,以及鸡冠头、烟熏妆等等,都不让人讨好。但对于这样一个社会边缘人来说,男主角布隆维斯特始终呼吁社会对其公平对待。当然,莎兰德的个人悲剧本身,在于作者所塑造的为隐藏前苏联投诚间谍的一个秘密组织,而这个组织的存在,一方面是政府监管的空子,一方面则是瑞典社会右派势力的残余,这导致萨兰德遭受到家庭暴力、精神科医生迫害、监护人对其的性侵犯及财产管理权的侵犯等。这在具有社会自由主义倾向以及极力追求平等的瑞典社会,是无法被容忍的。或者换句话说,在瑞典社会,公众对这样侵犯人权的事情是零容忍的。


    作者拉森。

    对于大洋彼岸的中国读者来说,莎兰德的遭遇固然悲惨,但作者在叙述这一切时所夹带的巨大仇恨值,还是让人印象倍感深刻。这或是中国的读者们所难以感同身受的。不负责任的猜想,这样的故事发生在中国,新闻媒体所能做什么,秘密组织能让其不做什么,这些不言自明。至于莎兰德虽然有着悲惨的童年,但毕竟在一个完善的福利社会中长大,其本身所掌握的电脑技术也堪称一名超一流的骇客,用的也是苹果电脑,效力的也是不错的保安公司,如果不考虑其第二任性变态监护人的矛盾冲突,看起来情况也不算太坏。这样的一个女孩,在我们看来是应该安分守己、感恩戴德的。可在瑞典、扩大至欧洲的民主社会体制中,这是不被允许的,因此作者才会把莎兰德想象成一个叛逆的朋克少女。

    在第三部中,莎兰德最后的审判部分,开庭前还特意化了一个最华丽的盛装,高昂着头颅出现在法庭上。这或许可以看作是全本小说的高光时刻。莎兰德作为体制外的一份子,直面对不平等体制的抗争(如判定其有精神问题、成年后依然需要监护人,对其财产进行管理)。小说以莎兰德之不幸,却无意中反衬出瑞典社会高度发达的文明体系。这或是作者拉森生前并未想到的。


    同名电影截图。就是上述那一幕。

     

  •  

    除了苏打绿在狂热、My Little Airport在无法停止抽烟,还有更多的小文艺小清新等待着表达他们心目中的夏天。范世琪在这个连场暴雨的夏天,唱出这个季节带给她的欢欣和愁绪。《梦境》像是一个邻家女孩要和你谈心事那般,悄然来到你的面前,以一种平实熨帖的语调。

    实际上,早在三、四年前我就听到范世琪的声音,但《梦境》是她更为成熟的表达。一开始,她就在《关于她》里面作自我介绍:“有个女孩长的漂亮浓眉大眼睛,有个女孩唱歌跳舞还会弹钢琴,有个女孩淘气开朗有时也忧郁。”开场白后,她缓缓交出自己的心事。那场暴雨,来得疯狂,让人迷失,就像她和他的闹剧;那个梦境,他像鬼一样闯入,脚穿皮鞋,面带笑容;那些闺蜜,脾气古怪,却想和他们环绕地球一周;那天周六,她喜欢寂寞,却怕没人约会;那个夏天,她竭尽全力要述说她的夏天。

    范世琪就是这样一个小清新的女生,声线清淡,感情收敛,从不故意拔高自己的情怀,也不故作姿态以彰显自己的不同,只因女生心事大概相似。范世琪在和弦走向和词作铺排上,都温和的行走在一条舒坦的路子上,不涉险峰不露锋芒。仿佛文艺就这是这么一回事,它可以不谈香格里拉不说撒旦地狱与天堂,只需要在安静的一个夏天午后,看着暴雨,念着爱人。这种浑然一体的美感,正是《梦境》轻易打动人之处。

    在曲风上,专辑以民谣为根基、爵士为肌理的风格亦显得淡雅自然。许多范世琪的“老歌迷”或许会怀念第一次与她邂逅时、自弹自唱的青涩感(如同名主打歌《梦境》),但在这张专辑里,李星宇的编曲虽然如“降噪”似地在一定程度上削弱了她的棱角,但也提纲挈领式为范世琪的音乐赋予更完整、且更具传播价值上的意义。如《关于她》黑白键中四拍子下隐藏的舞步,两个不同版本的《暴雨》一则是bossa nova的热情,一则是电吉他滑棒和爵士钢琴的典雅,都是相当easy listening的作品,而《Gift》之刻意复古化的处理也恰到好处。

    和气音乐继2010年成功推出梁晓雪及其《花样年华Floral Times》后,受到一众闷骚男、文艺男的追捧;今年所推出的范世琪《梦境》则完全是女生的领地。范世琪歌曲大部分均以酥软化作处理,丝毫不见梁晓雪身上那种霸气侧漏。在平易近人的印象里,她歌曲中讲述的内容和大部分流行音乐“少女系”中的主题没有太大的差别,如果你是Twins歌迷,你同样能在范世琪的音乐中找到你所熟悉的那些少女心事,只不过她采用了另外一种区别于主流的、更为私人化的表达,但这和主流音乐的距离并不大。

    毋庸置疑,范世琪是2011年华语乐坛最值得一听的新人。可她的出色,反倒映出当下乐坛的落寞。如之前我曾在多个场合所说,当下华语乐坛的问题,除了盗版、下载外,新人的匮乏是最严重的问题。当电影产业风风火火,通过院线、商圈顺利地和房地产商无缝对接时,音乐产业越发地被边缘化,歌手要更上一步必须就得成为娱乐明星,且整个产业的萎缩更导致了大牌歌手们对资源的进一步垄断。二三线歌手们没有好歌可唱,也没有公司愿意包装,导致了整个金字塔结构从下端开始崩坏。对于新人来说,虽然有了更多的社会化媒体作为与公众交流的窗口,可大家follow的依然还是那些super stars,新人的崛起则更加举步维艰,看看TVB劲歌金曲节目就知道了。除非本身是创作型歌手,其锥立现的机会或许会大一些,这也解释了今年自产自销型歌手占据了新人中的半壁江山之理由。当然,唱片公司本身是否愿意冒这个风险去包装一个默默无闻的新人,这又是一个问题。毕竟,用真金白银去砸陈奕迅是能预料到回报的,但花在范世琪身上呢?

    因此,无论这张专辑是否对你的口味,请首先为范世琪以及她背后的团队、公司鼓掌。

    (腾讯:http://ent.qq.com/a/20110718/000341.htm

     

  • 仅限于听觉的音乐,在当下的大娱乐时代已经显得捉襟见肘。一张CD的容量,恨不得装下一部电影、一阵味道或者一道触觉,给予听者全息的体验。早年麦浚龙《Chapel Of Dawn》,玩的就是暗黑系歌剧的概念,每首歌都赋予人与魔交织纠缠的情景画面。近几年林宥嘉的《感官世界》,把眼耳鼻舌身意等等感官刺激收纳一体,制作上更注重流行性,使得这种概念从架空的高处回到传唱层面。类似的案例还有何韵诗《梁祝下世传奇》、古巨基《游戏基》等,其中能让音乐获得通感,而又不失可听性的,实在屈指可数。

    王菀之最新EP《Cinema Of Love》,概念是音乐电影,力求打造的同样是听觉视觉的二位一体。近年醉心于舞台剧的王菀之,对于歌剧氛围如何与专辑紧扣显然有自己的理解,这张EP大有用武之地。事实上,王菀之的确交出了上乘的作品,证明了自身的创作力足以驾驭这种概念。当然,编曲与作词在每首歌里同样举足轻重,冯翰铭、林夕、黄伟文等人在专辑中的编作,堪称出色。在各方倾力协作下,有了这张穿梭于华丽与压抑、复古与前卫,游走于可看与可听、商业与流行的作品。

    电影氛围的成功营造首先归功于编曲。冯翰铭作为王菀之的首席编曲兼监制,早期较为注重编曲上简单清淡,以突出王菀之自身柔和婉转的音色,从后期开始,他不满足于略显单薄的制作效果,更加注重挖掘王菀之的其他可能性。《我来自火星》便是一例,更具层次感和刺激感的编曲使歌手有了另类乖张的独特气质。在《Cinema Of Love》中,无论是《柳暗花明》或是《最好的》,冯翰铭或用爵士大乐团式的编排,营造繁复而真切的歌剧感;抑或是转入哥特式的摇滚风,再加上后置的人声处理,都让人感觉华丽至极,和封面中王菀之的造型遥相呼应。

    至于词曲方面,王菀之、以及黄伟文、林夕都交出了水准之上的作品。林夕《柳暗花明》以歌剧的光怪陆离氛围,用华美的词藻告劝世人勿留恋旧物,抛开桎梏,奔往花花世界;而在MTV热播的《末日》无论曲或词不仅是近年来关于末日论调的艺文类作品中最出色的一曲,且私以为是今年开春以来香港沉闷的流行乐坛最闪亮的一笔。而若把这张EP比作创作者的武教场,黄伟文或更胜林夕一筹。

    总而言之,这是一张具有高密度美的EP,尽管末尾的两首英文歌稍有鸡肋之感,但也保持了整体浓墨重彩的风格。你或许之前会嫌王菀之台上台下稍有矫揉造作之感,但这张EP会让你改观。我便是如此。

    (刊于今日南方都市报)

  • 他和胡德夫、云力思一起,并称为“台湾当代最美的声音”;他凭借着首张专辑《百年排湾 风华再现》获得第22届台湾金曲奖最佳少数民族音乐歌手奖,透过电视屏幕展现了排湾族长老的风采;日前,他来到广州,领取第11届华语音乐传媒奖“最佳制作”“最佳录音”两个奖项,印证了自己音乐制作上的专业性。他的名字或许现在还不为大家所知,但我相信,未来的日子大家会慢慢地因他的声音所被打动而将其铭记在心。他是林广财。

    广财说,他已经来过内地十多次了。去年4月,他作为台湾高金素梅文化团队的领唱,为上海世博会献上《分享庆丰收》;8月,他在南京大屠杀纪念馆,为反法西斯胜利65周年纪念活动演唱了《安魂曲》,一首来自台湾邹族的传统曲目。甚至在这几年的厦门海峡论坛活动里,他代表“飞鱼云豹”几乎场场不落。但这一次的内地之行略有不同,林广财终于有属于自己的处子专辑了——尽管今年他已经到了知天命的年纪。

    这一张《百年排湾》我听了不下十遍。从录音和制作上它都堪称无懈可击,来自日本的制作人荒井壮一郎(同时也是“台湾之宝”著名世界音乐歌手云力思的女婿)发挥音乐上的国际主义精神,在深入了解排湾族的历史后,以去芜存菁为指导思想,通过简单的手鼓、原声吉他营造出充满静瑟而神圣的质感。当然,这一切都只为烘托出林广财的声音。他用饱满的感情、略带沙哑的腔调展现了部落变迁史的苍凉与悲壮,一首首原本只在族人中口口相传的百年古调通过唱片这一介质传播到千里之外。

    在这张专辑里,《凉山情歌》《珍重》是你不会错过的两首。它们叫做“林班歌”。所谓“林班”,指的是当年在山里承担造林开路等建设工作的工人,他们薪水微薄,只维持着最基本的生活。上世纪六、七十年代,台湾农村经济解体,少数民族部落也被排挤到社会最底层,因此排湾族子弟许多都加入“林班”。但他们乐观的天性并没有被生活压垮,在工作的间隙或晚上,他们围在一起,创作并传唱出一首又一首想念情人、思念故乡的“林班歌”。林广财虽贵为排湾族的长老,但16岁时就离乡外出工作,从搬运到林班,人生百味都体验过,因此在演唱林班歌时更有一种悲从中来、不可断绝的绵长感。如《凉山情歌》,同为排湾族的动力火车组合在多年前就有演唱过,但他们的方式是流行的、商业的,暴露在镁光灯之下,而林广财却不一样。他的歌声如同一片黑暗,慢慢吞噬着身边浮华的一切,到最后只剩下那些关于生活的本质。这是一卷关于台湾少数民族部落的史诗,也是一张对劳动、对生命的赞歌。

    两个月前,陶晶莹通过一次偶然的机会听到了林广财的专辑,惊为天人,在自己的节目中一直播放,并两度邀请林广财上自己的节目。如果你同样听到这张作品,我相信你也会——至少满世界地推荐给身边的朋友。

    (刊于今日信息时报)

  • 从今年入春开始,我们办公室里的DJ大叔每天循环播放的歌曲,多了一首《Price Tag》。当时,我并不知道这首歌的演唱者是什么来头,但我能感觉到,她会红。

    2011年全英音乐奖乐评票选最具潜力新人,BBC年度新声冠军,首单英国榜第2、二单空降冠军,英国版的lady gaga,下一个Lily Allen……顶着一大堆头衔而来的Jessie J,凭借其别树一帜的唱腔、酷酷的造型,以及一首接一首的热门单曲,成功打入美国市场,并漂洋过海来到中国。

    《Who You Are》是一张标准的当下欧美流行音乐唱片。泡泡糖歌曲,打通青少年与成人流行乐之间的界限,风格上追溯上世纪90年代,总体而言阳光明媚,但有一个时尚化的包装,节奏和编曲也更有力道,一些rap元素的添加也是恰到好处,而专辑中收录的一首live版本的《Big White Room》也能凸显出Jessie J的气质与实力。总体而言,这是一张水平上乘的流行唱片,歌手本人的才华、随性、古怪、大胆都让人印象深刻。

    但在这个单曲消费的时代里,一张专辑肯定少不了一首优秀的主打歌。回到开头所说的《Price Tag》,作为专辑的第二波主打,你会很容易概括这首歌的“Tag”:编曲简洁,节奏明快,整体流畅,一气呵成。当然,在我眼里,由大段重复歌词组成,好唱好记的副歌是重点——嗯,当“It's not about the money, money, money;We don't need your money, money, money”在你脑海中喋喋不休地回响起的时候,你是否有一种中毒式的感觉?这会否让你联想到,风靡全球的Justin Bieber《Baby》“Baby, baby, baby nooo”那魔咒式的副歌?巧合的是,这两首歌间奏部分都有一小段画龙点睛的Rap。是的,我再次邪恶地联想到了made in china的凤凰传奇《自由飞翔》《月亮之上》等金曲、以及后来居上的慕容晓晓《爱情买卖》。当然,两者不可相提并论,但正如一些乐迷朋友对Jessie J甚至是B宝有类似“制作较粗糙”的批评,这一瑕疵和本地制造山寨化也或能对应。暂且抛开成见,这似乎代表着当下流行音乐的一股风潮,摒弃繁冗的枝干,回归简单且优美的歌词与旋律。当然,这也是近年来乐坛复古风潮盛行其中的一个外化的体现。在某种意义上,classical代表着简约经典之美。

    那到底这是不是一种倒退呢?可是好听就是硬道理啊?Jessie J你说对不?

    (信息时报)