• 广州艺文届著名人士iphen第一时间给我发了窦唯的《口音》,没有半点推荐,甚至必要的交代都没有,只是说:“窦唯新专辑”。实际上,“窦唯”二字本身就是质量认证标识。搬家的时候清点才发现,在我的CD收藏里面,窦唯的唱片占有数量是最多的。就在我后来所任职的唱片公司星外星音乐,即使不算再版的《黑梦》《艳阳天》等,前些年陆陆续续发行的《松阿珠阿吉》、《佐罗在中国》、《东游记》、《三国四记》等,虽然卖得慢,但也不用愁卖不出去,就这么一点一点,水长流,现在也都大致沽清了——就像窦唯的音乐,随便拿出一张,都可以让我从头到尾舒坦地听下去,尽管我不太理解他的某一个音色是怎么做出来,也无法像通晓实验、前卫音乐的乐迷那般摆出长篇大论,但我能全身心地把自己丢给窦唯,不需要担心他有怎样的居心或野心。你可以说我是伪窦唯迷,这没有关系。

    《口音》也是这样一张作品。尽管他开口唱歌了(如果这算是唱歌的话),但用太多乐评的概念去描绘它,其实没有太多的意义。一句话:窦唯的音乐让我安心。小时候不谙世事,常想:为什么窦唯此人的气质、此人的音乐会明显地高出其他同行?后听到《早春的雨伞》,一张由窦唯、张荐与各自的父亲窦绍儒、张荣舫,四人一起录制的一张唱片,恍然大悟。你必须承认,艺术的血脉是有继承的,从小的耳濡目染对长大后的真枪实干是有决定性意义的。在张晓舟的一篇文章里,他这样写到:“窦唯、张荐,以及崔健、刘元、何勇、王磊……他们的父亲都是自己的音乐启蒙老师。有一次在电视上见到小号手崔雄济,以淡淡的口吻评价他那被称为教父的儿子,‘崔健的歌里头,我觉得《最后一枪》比较好。’也数次现场领略过何勇父亲何玉生三弦演奏《钟鼓楼》的时候,那绝不亚于摇滚乐手的激情。”


    Charlotte Gainsbourg

    实际上,音乐领域中的“富二代”比比皆是。肖恩·列侬(Sean Lennon),父亲是前披头四灵魂人物约翰·列侬,母亲则是小野洋子。父亲被刺杀之后,母亲为了保护年幼的肖恩而将他安置在瑞士的一个寄宿学校学习。但肖恩并未因此远离音乐,1998年,他推出首张专辑《Into the Sun》,获得广泛好评;2006年推出《Friendly Fire》,同样表现不凡。另一著名的“音乐富二代”夏洛特·甘斯布(Charlotte Gainsbourg)的父母是“法国猫王”赛尔日·甘斯布(Serge Gainsbourg)与英国名伶简·伯金(Jane Birkin),她也继承了父母音乐影视双修的事业发展轨迹,个人专辑《5:55》《Irm》博得满堂彩,而出演拉斯·冯提尔惊世骇俗之大作《反基督者》更是吸引了全世界的目光。


    邓肯与《源代码》男女主角说戏。

    当然也有一些“不孝子”。如胡军,他的爸爸胡宝善、大伯胡松华都没能影响他走入歌唱生涯,虽其父在一次采访中对我夸自己儿子唱歌其实很赞;而最数典忘祖的要属邓肯·琼斯(Duncan Jones)——他是摇滚变色龙大卫·鲍伊的儿子。尽管父亲希望他继承父业,但琼斯对于学习乐器没多少耐心,相反却是个铁杆影迷。18岁时,他毅然决定使用邓肯·琼斯这个名字,并就读伦敦电影学院,朝自己的导演梦想努力。2008年,他推出处女作科幻片《月球》,由山姆洛克威尔主演,小成本下的张力让人折服;近期,他讲述平行宇宙的新片《源代码》又着实让人震撼了一把,不愧为新生代最受期待的导演之一。实际上,琼斯是在用另一个方式延续着自己父亲的音乐创造力啊!

    因此,在几天前的那个父亲节里,我破天荒地打了个电话给我的父亲,说了一句:父亲节快乐。因为,如果没有你的小提琴、手风琴,我或许不会拿起吉他,以及我现在的笔——哦,不对,是键盘。

    (刊于《信息时报》)

  • 卢凯彤《掀起》
    发行时间:2011-06-17
    推荐指数:★★★☆

    推荐理由:香港著名唱作组合at17成员、香港最著名的女吉他手,背后依托的是人山人海的制作团队,这些都是这张专辑的卖点。平心而论,卢凯彤的声音是短板,非甜蜜型,但论中性化力度也不足,咬字方面更是硬伤,尤其唱的还是普通话,这样的条件本来不适合单飞,无奈at17瓶颈期实在持续得太久,才如此的考虑。但Ellen还是有着无法掩盖的才气,她的solo显得青涩,但也比at17千篇一律、四平八稳进取得多。


    刘美君《Love Addict》
    发行时间:2011-06-17
    推荐指数:★★☆

    推荐理由:刘美君两年不见,推出的又是一张随大流的发烧专辑。近年来,香港各老牌歌手均转战hi-fi界,林子祥、谭咏麟、吕方均有不错的成绩,因此刘美君此举也是随大流,包括男声唱女生的歌、女声唱男生的歌这一普遍采用的反串方式。可无论如何,刘美君这一类型的歌手唱腔早已定型,作品选择范围不多,想玩出新意不容易,因此只推荐给发烧友或对刘美君有爱的乐迷。


    郁可唯《微加幸福》
    发行时间:2011-06-30
    推荐指数:★★★

    推荐理由:对于“后滚石时代”的当家花旦,郁可唯在试水性的《蓝短裤》之后,其第二张专辑备受期待。之前派台的《伤不起》稍显网络化,但与林凡合唱的《听我说》确是一炮而红。但这样的KTV式的作品是无法镇场的,可在《微加幸福》里面我们依然没有看到郁可唯清晰的方案,她还在摸着石头过河,各种曲风无法糅合在一起。但比起处女作进步的是:至少她已经有被大众认可的热播金曲了。


    陈珊妮《I Love You, John》
    发行时间:2011-06-17
    推荐指数:★★★★★

    推荐理由:暗黑公主不在晦涩,转入明亮,这不是坏事。自上一张专辑起,陈珊妮把古典音乐和电子音效通过自己的气质融合到一块,而这一次她玩的是band sound+时下最流行的舞曲,但没有人会否认,她做出了近年来华语乐坛最出色的一张舞曲专辑。手到擒来的美妙旋律,让人过耳不忘的副歌,甜而不腻的歌词,这不仅是一张雅俗共赏的专辑,更是2011年最佳专辑的有力竞争者。


    张靓颖《改变》
    发行时间:2011-06-01
    推荐指数:★★★☆

    推荐理由:作为张靓颖年度大碟,也是她迈向国际化之路中的重要一步,义无反顾地也投入到舞曲大潮中。中国人玩舞曲,要避免山寨着实不易,但张靓颖已经足够努力了,尤其是她没有盲从gaga,充分考虑了自身的嗓音条件,因地制宜地玩出了带有自身特色的舞曲风格,虽然保守,但品质保证。


    范世琪《梦境》
    发行时间:2011-06-15
    推荐指数:★★★☆

    推荐理由:一位在中国互联网社区中早已声名鹊起的素人歌手,2011年正式推出个人音乐作品专辑。虽然打着是“清新爵士”的标签,但即使是用跳跃的琴键来点缀,范世琪的音乐骨子里还是没有离开小女生自弹自唱的城市民谣,不过这位小女生有足够的才气,能准确地拿捏小清新的元素。有一瞬间我甚至觉得她和曾轶可有几分神似之处。


    周华健《花旦》
    发行时间:2011-05-20
    推荐指数:★★★★

    推荐理由:同是玩翻唱,周华健玩得更有概念也更巧妙。“花旦”是中国传统文化中的专有名词,而论声音条件,周华健的中音区自然游刃有余,而他充沛的声音表情也担当得起“花旦”这个名字。从专辑文案还是音乐最终成品来看,华健的态度都是谦虚的,大部分的曲目还是保持了原唱者的感觉和调调,在此基础上所做的个性化都恰如其分,整张碟听下去也没有负担。


    谢和弦《于是长大了以后》
    发行时间:2011-5-27
    推荐指数:★★★★

    推荐理由:热血青年站出来——谢和弦就是台湾当代青年的缩影。专辑的主题始终没有脱离少年心气,包括谢和弦的梦想、热血,以及对待生活的勇气。和处子作相比,这是一张更为成熟化的唱片,无论是谢和弦本人的创作,还是徐佳莹、蛋堡 X Jabber Loop等好友的加盟,都让人拍手称赞。


    窦唯《口音》
    发行时间:2011-06-06
    推荐指数:★★★★

    推荐理由:当所有人都以为窦唯不会再开口唱歌的时候,他却找来了译乐队,摆弄出了这么一张《口音》。实际上,专辑的风格还是和“不一定”、“不一样”没有太大的区别,8首曲目,均没有名称,只用数字标识。在我们熟悉的民乐与现代科技的交辉影映中,窦唯继续用梦呓式的吐字勾画着中国的诗意,唱得是什么不重要,强调的是意境和感觉。随着年月渐长,窦唯的隐士身份也被大家越发地认可。别去介意微博上的那些捕风捉影。


    严爵《不孤独》
    发行时间:2011-05-27
    推荐指数:★★

    推荐理由:实际上,严爵是一个被普遍高估的创作歌手,虽然他在不久前的金曲奖还获得了最佳新人的提名(但没有最终获奖)。他的创作能力并非出类拔萃,但他有一个比较不错的营销与包装,可这也造成了一种错觉,使大部分乐迷用独立音乐的标准来要求他,这就不免倒彩一片了。说到底,《不孤独》还是一张尚可一听的流行唱片,但未能看出严爵的进步,尤其是和同期出道的谢和弦、萧闳仁等比较,差距更显。


    (搜狐:http://music.yule.sohu.com/20110628/n311350970.shtml)
  • 1,暗黑公主也在与时俱进。在我们最早接触陈珊妮的时候,她是歌迷心目中的暗黑系公主,用刀子割开一道道华丽的伤痕,如《来不及》和这首歌的MV,在我们的成长过程中留下了不可抹去的阴影。实际上,从上一张专辑《如果有一件事是重要的》开始,陈珊妮就已经开始明朗化,不仅主打歌开始励志,且整张专辑的基调都是积极向上的,包括在后面的Demo部分(《粉红色》)。直到《I Love You, John》时,陈珊妮的状态更为年轻,从编曲制作到唱法,甚至回到《华盛顿砍倒樱桃树》的状态。

    华语乐坛的歌手相对演唱寿命通常比较短,很难存在如法国香颂教母Juliette Greco那样,从二战一直唱到现在、红到现在的常青树。许多音乐人随着年龄的增加总会面对许许多多的问题,乐队组合闹着要解散,偶像被转型困扰,半路转行的更是不胜枚举,但在陈珊妮快接近二十年的从业生涯里,我们看到了稳步上升的曲线,看到了不断成熟、也不断地不成熟的脚步。她让我想起了法国另一位疯狂老太太Brigitte Fontaine,一位把法国香颂、阿拉伯节奏、自由爵士、非洲音乐熔于一炉的天才,我幻想着陈珊妮在60岁时就是这个样子。

    我很期待。

     

    2,这是今年最佳的舞曲专辑。是的,不需要怀疑,《I Love You, John》秒杀了蔡依林、潘玮柏、张靓颖、罗志祥等一大串名字。

    陈珊妮最棒的一点是:她永远都知道自己需要什么。迈入新的千禧年后,陈珊妮对电子音乐的兴趣越发浓厚,《后来 我们都哭了》是一个很棒的尝试,而到了《如果有一件事是重要的》时,各种好玩的拼贴音色、搓碟音效几乎是铺天盖地了。DJ小四是其中的得力助手,尽管他不懂编曲;古典音乐的科班生、从事电影配乐的Annie也贡献良多,尽管她不懂流行音乐;但幸好有陈珊妮,她始终牢牢把握着专辑的方向,每一首歌都打满自己的logo,并用自己强大的个人魅力打破古典与电子的鸿沟(好吧, 我承认jazz-hip hop其实也蛮流行),让听者毫无违和感。

    而这张《I Love You, John》在我个人来说比上一张专辑融合得更棒。以主打歌《OK》举例,时髦的跳舞节拍当然很抢耳,但蕴含着咆勃乐的钢琴、以及老搭档徐千秀刻意随之改变的让人印象深刻的吉他riff,无论哪一part单独拿出来都值得让人回味再三——可你不会做这种一叶障目不见泰山的事情,歌曲的整体感、流畅度都让人享受,重要的是在当下全世界都在玩舞曲的时候,她能玩出自己的风格,且这种风格是衍生于自己固有节奏的基础上的。

    能做到这一点的,当下只有陈珊妮。

     

    3,无论何时何地,鬼才陈珊妮总能带给我们传唱度一流的副歌。

    是的,即使是舞曲也无法阻挡陈珊妮,这张专辑是我近期最短时间内学会跟唱的作品。“音乐,请你请你快拯救我,请你请你教我摇滚,请你请你给我灵魂”(《青春》)“OK OK,只要不看未来还OK OK;OK OK,只要别想过去还OK OK”(《OK》)“请你打动我,慢动作解说;爱令人沉迷,优雅格斗”(《B级动作片》)“baby pink baby blue baby green,弹着你的晚安曲”(《晚安曲》)“Naive是我的病,自私自悲自哀自恋自在的生活又怎样”(《Naive》),朗朗上口却又回蔚隽永。

    我的一位乐评人朋友琳距离曾评价说,陈珊妮的歌曲都是最好K的歌曲,这点往往被大家所忽视。我赞同他的看法。

     

    4,这是一张雅俗共赏的专辑。

    之前所述,陈珊妮年纪越大,反令人觉得她越年轻。她玩起了舞曲,玩起了小清新,再看看她的专辑文案,那些矫情的文字,要是我还真不好意思。但这并不妨碍陈珊妮越发地走向主流,这张专辑会让她俘虏更多的乐迷,包括90后、非主流等等。但另一方面,更资深的乐迷也能在专辑里面读出许多耐人寻味的信息,比如《晚安曲》中的英伦味道,《I Love You, John》里的爽朗民谣肌理与漂亮的吉他切分和连复段。从歌曲意义上,90后能找到他们所需要的朦胧感、似是而非感,以及脱口而出的kuso网络语言,大龄文艺青年也能听到陈珊妮身体中依然滚烫的热血,以及我所最最最欣赏的——对待人生的智慧。

     

    5,最后一点,原来装也可以如此可爱。

    不得不说这是一张如此矫情的专辑,“干嘛装?装很奇怪耶。到底要不要装?噢,还是继续装好了。”这几乎“媚俗”这一概念被米兰·昆德拉在奠定其伟大的文学地位后,于华语流行音乐中最完整的一次表达。陈珊妮其实从来不是一个爱装的人,但她却能很聪明地掌握了这一个概念,“随时意识着自己的情绪,并保持这种情绪的‘正当合法’”,并在自己歌曲的固有主题中,包括“青春”“沉沦”“拯救”“掩饰”“疯狂”等惯用的关键词,重新包装成站在潮流顶端的概念,并把“媚俗”舒舒坦坦地传递到各人的耳朵里,没有半点不适或抗拒。

     

    因此,这张专辑,从任何角度看,都是满分。

    http://ent.qq.com/a/20110623/000549.htm

  • 面对如今的翻唱成蔚,其实我已经不需要说太多了。正因为越来越多的唱作派、实力派加入到翻唱的阵营中,客观上提升了翻唱这一桩事情的门槛和档次,也让乐迷的口味越来越刁。对于那些在乐坛打拼多年的老将来说,其演唱实力、情感积淀都很适合把老歌重新演绎,录音做得好了甚至可直接推向发烧市场。这一年来,齐秦的《美丽境界》、吕方的《吕方Touching Moment》便是如此。不约而同地,他们都齐心协力地用男声去演唱女声作品,如齐秦唱陶晶莹许美静、吕方唱张惠妹林忆莲,而如今的周华健更是干脆打出了“花旦”的概念,推出一张“概念致敬翻唱专辑”。

    在中国传统文化中,“花旦”作为其特殊的存在,不仅对唱功有所要求,更强调形神兼备,展现出万紫千红的气质,最具代表性的则是梅兰芳先生。论声音条件,华健的中音区自然游刃有余,而他的声音表情也相当到位。实际上,无论是从专辑文案还是音乐传递出来的本身,华健的态度都是谦虚的,他并没有像杨乃文在自选集中所做的那样,把所有的歌曲都冷处理成完全自我的风格,大部分的曲目还是保持了原唱者的感觉和调调。如《天涯歌女》,在钢琴和小提琴的灵动下,周华健的咬字和浅唱都像极了周璇,声音的共鸣充满了弹性,和琴键一起跃动;《至少还有你》同样保留了吉他为主的编曲架构,虽然更偏民谣化,原声吉他一直连绵不断,但林忆莲在原曲中通过每一句的尾音的细致处理而表达的坚定不移的感触,华健基本完全保留了下来;《传奇》虽然是李健的旧作,但被大家熟知还是通过天后王菲,因此也被选入了“花旦”的概念里。无妨,不去纠结这个,不过这首歌至少在我看来,是这张翻唱专辑里最接近于原版的。《领悟》选取了live版,这倒是一个非常聪明的选择,这首歌确实更适合现场的即兴,但在我的心中,男声去唱《领悟》,没有人能超越李宗盛了。华健的这个版本,与其说是向辛晓琪致敬,不如说是对纵贯线的一种怀念?

    《花旦》里面也有些歌是唱得和女伶们较为背离的。如《甜蜜蜜》则唱得没有那么地甜腻,反倒是让大片的弦乐唱主角,自己的声音则作了清淡化的处理。《问》也是如此,像是一把木吉他(背后还藏了一把电吉他打底),在一间小酒吧的小小角落里演唱。但莫过于《人质》的处理,这倒是让人有点措手不及,淡得似乎偏离了歌曲的主题,似乎杨宗纬那样的撕心裂肺更适合这首歌的固有气质。

    总体而言这是一张非常相当不错的翻唱专辑,华健在低调的基础上所作出的个性化都恰如其分,整张碟听下去也没有负担,当做hi-fi也未尝不可。

    http://ent.qq.com/a/20110610/000548.htm

  •  

    在黄耀明略显尴尬——或者不客气地用他自己在微博的原话“糟糕透了”的压轴演出里,为期两天的Kama爱·音乐节落下帷幕。

    原本,这应是一个不错的、备受期待的音乐节。美国经典独立乐队Eels(鳗鱼)、法国巴萨诺瓦组合Nouvelle Vague(新浪潮),单从这两支参演乐队,便可感受到主办方别出一格的审美趣味(尤其对笔者口味);选取在端午小长假而避开五一、十一等传统音乐节扎堆的时间点,调了奥体中心这么个交通方便的地,也能让人感受到一丝的贴心。负责这次音乐节规划的著名DJ、策划人张有待表示,从一开始,他就想把这次的活动和几个传统的、以摇滚为主格调的音乐节区别开来,希望受众的年龄层跨度可以大一些,但在乐队的挑选上最后还是不免有所妥协。我不知道他所说的这种妥协是否指的是像海鸣威、熊汝霖这样的歌手。和之前蓄谋已久、以“新派流行摇滚教父”形象在草莓音乐节上重新出发杨臣刚相比,海、熊两人或许注定没办法获得什么好评。


    E。一个月前,乔宇夫妇来我家吃饭,我正好放了他的一张。他们是低调的巨星。

    网络让世界变得扁平,虽未有身临现场,但从微博等信息分享平台、尤其是明哥在自己的推特中告白,已经没有什么好的质疑了:“很抱谦各位朋友,今晚我们的演出糟透了。我们是不断被要求缩短演出时间,又碰上音响上的不协调——我们真的是糟透了,但你们仍然是最给力的。希望吸取这第一次户外音乐节经验,我们可以再妀善我们以后的演出,尤其是下个礼拜的西湖音乐节。谢谢。”我们从中能读到以下的信息:1,每组单位演出时间有限,很难要求在20到30分钟中展现出自己的最佳状态;2,由于乐队众多,准备仓促,加上国内调音师这一硬伤始终存在,现场演出的质量总是难以被保证。要知道,乐队演奏不是放伴奏带,不是提前半个小时上去走走台就够了的,通常音乐节这样的大型户外演出都需要演出单位提前一天进行试音,试音时间从半个小时到数个小时不等——这在大多数拼盘式音乐节中更讲究整体的配合和组织。

    毋庸置疑,2010年全国各地音乐节的井喷给中国音乐产业打了一剂强心针,也不再去理性思考其中的天时地利人和等因素,只是一味地觉得中国经济在复苏、政府大力扶持文化创意产业、房地产拓展到旅游地产等利好取之不尽,每个人都在高呼“音乐节元年”“音乐节时代正在来临”,而忽略了硬件跟不上(之前提到的音响设备、调音师,以及场地、服务、周边等)、软件跟不上(来来去去都是那些熟面孔,同质化情况愈演愈烈)的事实。如明哥最后提到西湖音乐节。这里不是指名道姓,且西湖音乐节到今年已经是第六届,我们有理由对它的经验保持信心。但在西湖的名单上,我们又见到胡德夫、以及万能青年旅店——他们不都是一个月前草莓音乐节上的明星吗?

    (原刊于《信息时报》)

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    插播:独立乐队EELS上海行闹剧收场 因设备未能运抵

    延伸阅读:2009音乐节:风物长宜放眼量

  •   2011年4月,台湾客家歌手林生祥展开他的京沪穗三地巡演,为内地乐迷现场演绎他的最新专辑《大地书房》。实际上,这已是林生祥在《种树》《野生》之后,第三次来内地为自己的最新音乐作品“布道”,在广州站甚至出现了台下乐迷大声跟唱的情景。而稍加不同的是,因《大地书房》的文学性,林生祥与创作伙伴钟永丰本次的音乐之旅被赋予更多的文化含义,也在北京、广州各地的“书房”中开设讲座,可谓掀起一阵客家文化旋风。

      台湾著名乐评人马世芳是这样评价林生祥的:“若你问我,当今台湾最重要的创作歌手是谁,我会毫不犹豫地说,林生祥。我只想说,能够亲眼目睹他一次次跨越自己设下的高标准,能和他共处这一时代见证这一切,我着实以此为荣。他们的现场演出,或许是可以改变你的生命的‘启蒙时刻’,愿我也能在场。”马世芳甚至表示,在去年(2010年)的华语音乐榜单中,如果要选一张最好的专辑,非林生祥的《大地书房》莫属。

      那么,林生祥和他的《大地书房》到底有怎样的魔力,让他能超越语言的桎梏、打通文学和音乐的审美界限?

      林生祥最主要的音乐创作从交工乐队(1999年—2003年)开始。所谓交工,指的是在农忙时节里不同家庭的农民互助结成“交工班”,今天做我家的工,明天做你家的工,后天换他家的,一直到农事结束,类似于农村经济合作社的一种互助共济的模式。而在1999年,这支来自台湾客家美浓镇的乐团,作为美浓乡亲们的代表,以音乐为号角,用“交工班”的精神,推出《我等就来唱山歌》(1999)专辑,为社会舆论推波助澜,成功地迫使陈水扁宣布任内暂停兴建美浓水库。同时,交工乐队之使用锣、鼓、唢吶、月琴等传统乐器,结合现代音乐手法创造呼应现实社会的客家新民谣,也让其在独立音乐圈中大放异彩,并获得了2000年金曲奖最佳作曲、最佳制作人的肯定。

      2000年后,交工乐队开始关注农民和农村议题。2001年,其发行了音乐形式更为成熟、主题更为深刻的《菊花夜行军》。乐队主创林生祥和钟永丰一起,通过叙事性和白描的手法,娓娓道来,在《风神一二五》《县道一八四》《菊花夜行军》等作品,成功地塑造了青年花农阿成的故事——一个在台湾经济飞速成长的泡沫破灭、被都市所淘汰、扔回家乡的失败者的形象。

      在过去的许多文学作品中,这种卑微的小人物屡见不鲜,如战后涌现的黄春明的《儿子的大玩偶》、王祯和的《玫瑰玫瑰我爱你》等。但在上世纪80年代,台湾都市中产阶级社会逐渐成熟,乡土题材被转化成为对浪漫乡土文化的膜拜与消费。这一情况同样出现在内地文学作品中。尤其到了90年代,台湾成为全球资本商品供应链中的重要一环,在经济上取得了举世瞩目的腾飞,这时候关于那些在城市化浪潮中的卑微者、失败者、屈辱者(Loser)的关注变得更少,所有主流媒体的都在倾向于渲染成功者的光辉。没想到,在世纪之交时,美国经济衰退、网络泡沫、内地制造业的崛起……台湾的竞争力不断下滑,而随之的是社会失业率的不断攀升,让林生祥和钟永丰的身边出现了越来越多的“阿成”的形象。于是,他们写出了《风神一二五》这首不朽之作:

      送捱出庄汝讲过介话 

      ﹙送我出庄你讲过的话﹚ 

      捱冇腆放歇半下 

      ﹙我一句也没忘﹚ 

      但系阿姆厥十年日吶 

      ﹙但是妈妈 这十年来的日子啊﹚ 

      捱像冇点主介鬼 

      ﹙我像个游魂﹚ 

      觅过头路一项又一项 

      ﹙做过的工作一项又一项﹚ 

      哀哉冇半项有望 

      ﹙哀哉 没有半项有望﹚ 

      交过细妹一只又一只 

      ﹙交过女朋友一个又一个﹚ 

      通概冇半只兜搭 

      ﹙没有半个能继续交往﹚ 

      经济起泡捱人生变泡 

      ﹙经济起泡 我的人生变泡沫﹚ 

      离农离土真登波 

      ﹙离农离土真折磨人﹚ 

      毋当来归唉毋当来归 

      ﹙不如归去 不如归去﹚ 

      林生祥和钟永丰用最平实的语言,冲破了主流价值观的密云,把大家的视角拉回到普通的社会底层,真正地实现了“歌以载道”的音乐人、作词人的社会责任,因此才会被称为“时代的声音”。

      值得一提的是,因台湾和大陆经济发展阶段性的差异,林生祥歌中所反应的社会问题在若干年后几乎依葫芦画瓢地发生在我们身边,这反倒让许多内地初听林生祥作品的听众更为感同身受。

      2003年9月,交工乐队完成了其历史使命,宣告解散。但林生祥的曲、钟永丰的词这一对黄金搭档没有停止他们的脚步。2006年,林生祥推出《种树》;次年,其获得金曲奖六项奖项入围(包括最佳专辑制作人奖、最佳客语歌手奖、最佳客语专辑、最佳年度歌曲奖、最佳作词奖、最佳作曲奖),并最终获得最佳客语歌手奖、最佳客语专辑、最佳作词人将(钟永丰)。林生祥在台上拒领以语言分类的二项奖项,认为音乐奖项应以族群分类、不应以语言分类。这是金曲奖举办以来首次有人拒领奖项,使得大众媒体普遍关注的都是“拒领”一事,对其音乐本身反倒关注不足。实际上,《种树》是林生祥创作旅途中最美的一站,为我们描绘了美浓农村美丽的风土和人情,即使是同样表现经济危机下农村败落的景象,他和永丰也用诗一般优美的语言,轻吟浅唱。笔锋一转,在2009年,林生祥推出了反应客家女性生命史的《野生》,感慨在男尊女卑的农村社会里,女性命如草芥的悲惨命运。林生祥用一张专辑的长度,把一个客家女性从出生的不幸、童年的被忽视、零星的纯真、见证男性世界的暴力、劳作一生、最后寿终正寝回到娘家,用诗史的气质刻画出来。其中每首歌都足够动听,每个作品都相对独立,而它们在一起时又能环环进口地让听者为之落泪。

      2010年11月,林生祥推出的全新音乐作品《大地书房》。打开了唱片,翻开那本做成“国语笔记薄”样子的内页,毕恭毕敬地开始一边听一边对照着,心中油然而生一种肃穆感。 在广义的流行音乐(区别于古典音乐、发烧市场)的范畴里,纯粹的文学音乐专辑凤毛麟角。台湾音乐史上,数齐豫、潘越云演唱,李泰祥、李宗盛、陈扬等人作曲的《回声 —— 三毛第15号作品》(1985)、罗大佑、林生祥、胡德夫、张悬、陈珊妮献声的合辑《甜蜜的负荷——吴晟、诗.歌》(2008);内地更为惨淡,这十年来只有黄磊的《等等等等》(2003年)被大家所记住,而这张专辑亦不过是浅尝辄止,本身主题过于散乱而艺术价值有限而偏于商业却非艺术,林生祥之《大地书房》才属货真价实的文学音乐作品。

      《大地书房》取材于台湾客家籍作家钟理和的小说、散文,由林生祥负责音乐创作的部分,钟永丰及钟理和之子钟铁民、钟铁钧则完成专辑的词作。钟理和(1915年12月15日-1960年8月4日)作为著名台湾客家籍作家,其一生命运多舛:1932年随父迁居高雄州旗山郡美浓庄(今高雄市美浓区)经营笠山农场;后认识钟台妹女士,于1938年因与钟台妹同姓结婚受阻,遂只身前往当时为满州国所辖的沈阳;1941年迁居北京专事写作;1946年返台应聘内埔初中任教,后因肺疾恶化去职,返美浓定居,病中重订书稿不辍;1954年,次子钟立民病死;1956年,以长篇小说《笠山农场》获得中华文艺奖;1960年于病中修改中篇小说《雨》时喀血而死,血溅书稿。1980年,由钟理和夫妇一生坎坷事迹改编的著名影片《原乡人》在海峡两岸放映,由著名演员秦汉饰演钟理和,林凤娇饰演他的妻子“平妹”,引起社会广泛反响。2004年的两会新闻记者会上,温家宝总理在答记者问时更是引用了钟理和的名句“原乡人的血,必须流返原乡,才会停止沸腾”,以此来阐述两岸关系。

      早在1995年,前美浓美浓爱乡协进会的钟秀梅就有类似出版一张钟理和音乐作品集的打算;2007年及2008年,钟理和文教基金会也有催生这张音乐的计划;但直到基金会执行长在2009年说明此计划的决心与急迫性,林生祥才毅然接下这个挑战,因为“警觉的现在不做又可能再拖十年”。

      众所周知,要“有机”地把文学作品改编成歌词、并流畅地配以旋律、编曲表现出来,这需要词曲作者扎实的功底、良好的默契以及一点不可或缺的天赋。而在这场与钟理和的对话和较量中,林生祥与钟永丰获得了成功。这些年中,《种树》中的七言句、《野生》中的四言句、五言句甚至三言句,对于钟永丰和林生祥来说是很好的尝试,尤其是在创作《野生》时,钟永丰花了大量时间研习《诗经》《山海经注》,直接反映便是在文字的凝练度上有了很大的提升。回到《大地书房》时,钟永丰已经能够做到骈散结合了。专辑的开篇曲《山歌一唱钟理和》便是“山歌一唱心就开”“山歌一唱妹就来”最典型的客家山歌样式,看似信手拈来,却也字字千金,平淡的叙事风格中满溢着赞美之情。这便算得上是钟理和生平简介了。由于钟理和的创作横跨台湾日据时代、“满州国”沈阳、民国北平,最后又回到光复后的台湾,而作家一生又经历了对旧时代的封建思想的抗争、不折腰为日本人谋生、病中惋惜妻子深山劳作的牺牲、对女性(祖母和妻)的溢美,这些都通过《细妹细妹跈捱来》(妹子妹子跟我来)、《贫贱夫妻》、《大地书房》、《假黎婆》等歌曲一一表现出来。而钟理和作品中恍若描绘整个时代变革的巨幅画卷,亦涵盖了林生祥之前作品中所出现的各种主题,包括社会运动的抗争、农村的风土人情、客家妇女的爱和怒等。

      在林生祥最早的音乐里,我们听到了强烈的战斗性,他的文艺创作完全投射于社会变换的风云中,以音乐为武器,锋芒毕露;之后,他开始把视角扩大至客家的民间精神、生活风俗以及在现代化进程中农民的生存现状的改变。但《大地书房》是林生祥至今之大成。他收起了自己的刀枪棍棒,转入更为文学化的叙述;在继承古典的抒情传统下,也不失源自“五·四运动”中那一脉相承的革命精神;他越发地走向审美意义上的内省与抒情,而关于生活的呐喊与激越,也越来越被宁静沉着而取代。表面上,林生祥选取的是一个缩小的切面,但其本质是音乐艺术在随社会转型而改变自身形态、以另一种更为浓缩且富有创造性的方式来获得展现。

      在谈及这张专辑的创作,词作者钟永丰是这样说的:“在台湾那么多有前辈作家的地方,很少地方像美浓一样,跟一个作家的关系不仅是纪念性。理和先生逝世之后的三、四十年,他依然用各种形式一直在跟我们对话,他的精神用各种形式跟我们在一起。”其实早在交工时代,在反美浓水库运动中,除了林生祥的摇旗呐喊,美浓最重要的精神领袖实为钟理和之子钟铁民。作为台湾最重要的知识份子之一,钟铁民在这一场反水库运动中所展现的气量、学识、眼界,均让林生祥、钟永丰深深折服,也仿佛从中感受到了理合先生的遗风。此后,生祥、永丰二人开始潜心阅读理合先生的作品,永丰更是通读了钟理和作品全集八卷,神入地了解钟理和文学作品世界中的一花一木。

      钟永丰还说:“我认为,理和先生其实是一个有世界意义的作家。我们回顾十九世纪末期到二十世纪初期,世界上最重量级的作家,其实他们都有两种身份,第一个身份他是一个作家,第二个身份他其实是个人类学家,他每天记录他身边的地方这个小的世界一切切的东西,文化中的东西。如托尔斯泰。从这个意义上来说,理和先生其实不只是一个地方型的作家,他其实是个世界性的作家。而且他绝对不仅是个文学家,还是一个很勤奋的人类学家,甚至是一个社会学家。这给我们后辈一个很大的提醒与鼓励,我们作为地方上工作的知识分子,看待世界应该要是立体的,看到过去也看到现下,要随时注意你脚下这个世界产生的事情,随时做好各种对话跟连接的可能性。‘如何做一个有机的知识分子’,这就是理和先生教我们的事。”

      《大地书房》除了在文学性上一览众山小,音乐性方面也有自己区别于其他流行作品的特别之处。过去的几年,林生祥向来自日本的吉他手大竹研学习吉他,而大竹研也成为了林生祥最重要的音乐合作伙伴。生祥通过对节奏的研习,对传统的东方民谣缺乏节奏型变化这一硬伤进行了大幅度的整理。同时,他亦吸纳了广泛的布鲁斯、世界音乐(尤其是非洲音乐)、融合爵士等元素,将其纳入对台湾客家民谣的改造中去。在这张专辑里,特地邀请了日本的爵士低音吉他手早川彻,有到本次《大地书房》巡演现场的朋友相信对其无比自信的即兴演奏必定印象深刻。因为早川彻的参与,使得生祥的音乐里的律动感大大提升,许多吉他未能触及、也不好触及的位置由浑厚的贝司进行表达,歌曲中的旋律和节奏也变得明暗错落有致。如专辑中一首《山精饶新华》,浓厚的爵士、放客味,这是林生祥过往音乐作品中从未出现的。  

      在思考《大地书房》时,林生祥希望能用更多民族化的音乐元素以表达钟理和这一客家文学代表,因此他重拾了当年在交工乐队时期常用的月琴。林生祥表示,之前几张个人专辑里,自己完全没有去碰月琴,是觉得自己的演奏技巧、对这一门乐器的挖掘碰到了瓶颈,而当他在参考了《种树》时合作的冲绳三弦大师平安隆的演奏风格后,大有领悟,便着手对月琴这一种传统乐器进行了大幅度的改造。他别出心裁地为月琴增加了一根弦,以此大幅度提升了这一乐器在和声上的表现力,让月琴的音色有了更多的变化。同时,由于贝斯手早川彻的加入,林生祥可以放心地把低音部分的留白交给他,使得月琴的中高频不会显得过于突兀和单调。请听《细妹细妹跈捱來》(妹子妹子跟我来)。在这首讲述钟理和与钟台妹1940年的“红拂夜奔”的故事里,我们除了听到浪漫之外的那些反封建的革命豪情,更加不能错过的是生祥那些月琴的连复段:简单的几个音阶,便勾勒出歌曲的主线;以及间奏时的那极具场面感的拨弦,一下子便把七十年前钟理和的义无反顾展现得活灵活现。

      对月琴的改造是林生祥在《大地书房》中除钟理和外谈论得最多的部分,包括在本次内地之旅的讲座上。对于他来说,让一件古老的民族乐器在现代音乐中焕发新生、并让其融入世界音乐的范畴中,这是一件多么重要的事情。因此,林生祥从《大地书房》发行至今,一直在自己的个人网站上连载写作《我是如何改造月琴的》,与大家分享了他的制琴心得和体会,有兴趣的朋友请自行索觅,在此略下不表。

      林生祥对月琴改造的兴头也持续到对吉他的改造上。一直以来,生祥就不满足于吉他的标准音,对开放式调弦法一直情有独钟,而这次他直接大刀阔斧地把吉他六弦的五个音浓缩成只剩两个(C、F),与自己的月琴调音法接轨。这样的好处是让吉他听起来更民族、更纯粹,能在不同的八度音程里面表达更广阔的自由理念与空间感,音色的表现也更为细腻。典型之作如专辑中的《山火》,其歌曲内容直接取材于钟理和《故乡》四部曲的同名作品,记录的是民众点燃山火去对抗“天火”(大自然的自燃现象等)的愚昧。在歌曲中,林生祥用委婉的旋律、细腻的吉他还原了钟理和的思考,更具古味的演奏充满了时空交错的历史感,渗透着知识分子的理性与愁情,让人动容。 

      生祥对吉他的这一改造也直接影响了专辑中歌曲的和声写作。由于吉他本身已向传统民乐靠拢,生祥也因此彻底抛弃了传统流行音乐中的和弦套路和歌曲写作方式,《大地书房》中的许多歌曲都只剩下一个和弦,不再依赖和声进程而靠的是在一个主调中的增减变化。如专辑同名曲,它有着区别于寻常的吉他拨弦分解,从前奏开始便以一个主和弦贯穿歌曲始终,包括生祥演唱七言歌,这都无比靠近于中国的传统民乐。

      因此,《大地书房》是一张完全迥异于流行音乐审美角度的专辑,从某个角度来说,它更像是一张世界音乐、融合爵士乐的作品。不仅对于林生祥本身,对于听者,也是一个诺大的考验。在初听这张专辑的时候,或许你会觉得它并不如期待中这么好听、悦耳,甚至有点老套和土气。但随着时间的推移,你会逐渐地咀嚼到其中的美妙无穷。这也是听者和音乐的交锋。

      在《大地书房》的唱片内页里,林生祥写下了一篇名为《致敬钟理和》的序言。在最后一段里,他这样写到:“童年,妈妈用一台野马125机车载我们四兄妹五人,进入美浓美都戏院看《原乡人》的电影,那是我第一次走进电影院,高中开始阅读钟理和,大学开始读国内外的一些小说,退伍后从钟永丰身上学习一点社会学的观察角度,最近几年再重读钟理和,我愈来愈喜爱;我觉得钟理和不喧哗抢眼,他像是安静的植树者,时间愈久愈显巨大,通往人性的细微处。感谢钟理和为世界带来美好的文学作品,作为钟理和文学场景中的后代子弟,我深深引以为荣,钟理和是台湾文学的宁静骄傲,以此张音乐致敬钟理和!” 

      我要说,林生祥、钟永丰,你们也是当代乐坛的宁静骄傲。

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    (原刊于《艺术评论》。编辑唐先生非常热情,促成了这一篇稿件。作为一个中文系的科班生,用这样一种形式出现在一本文学类或者说文艺/艺文类杂志里,确实有点让人觉得感慨。由于读者的不同,这一篇介绍《大地书房》的文相对有点流水账,也有一个前世今生的显著逻辑在里头,对林生祥的过往介绍占了一半的篇幅,对于我个人来说,也是一个很好的梳理。实际上,看回生祥的过往,以及钟永丰的经历,我对他们音乐之外的许多东西又有了新的发现,当然这些没办法写进去了,很多都是没有证据的臆断,也不好写出来了,当是朋友之间的清谈,倒也无妨。总之,其实不仅是林生祥和钟永丰,包括我本人,都在探寻着文学和音乐的可能性。)

     

     

  • 可以说,谢和弦就是当代台湾流行乐坛新生代的缩影。

    萧敬腾、林宥嘉、蔡旻佑、卢广仲、严爵、蛋堡、萧闳仁、阿超……他们的音乐形式不尽相同,有的偏流行,有的偏台客摇滚,有的是说唱,有的是……偶像派。他们都在强调个性,但都有着许多相同的共性:精通一种或以上的乐器,大都有组乐团的经历;似乎永远不想长大,永远保持在少年的阶段;爱,但不会像老派的情歌王子们那样痛彻心扉地爱;对音乐的态度也没有死磕——当然了,虽然他们都有半独立的出身与气质——注意,我说的死磕是指如蓝奕邦那种流行歌手中的拧巴,Rocker也快乐,没有什么能够阻挡了。

    说实话,刚开始的时候我对他们都是抵触的。尤其是对谢和弦,觉得他的音乐太过粗糙,态度也不够严肃,只是在耍着自己的小聪明,抛出那些概念,“我们都成了大人”“地球其实没有那么危险”,不得不说带有讨好当下年轻人的嫌疑。但《于是长大了以后》会是一张改变我这一看法的专辑。

    对于已经步入或正在奔向而立之年的80后一代来说,“长大”早就是一个平淡至极的名词。小时候憧憬着“2000年”是怎样子的,可现在结婚买房买车转眼就到了2012。可谢和弦似乎不甘心这样的想。他今年只有24岁,因此还可以提出一些质疑,“于是长大了以后,我们都跟现实做了朋友,忘记了单纯和天真其实才是你的挚友”,尽管这些在倚老卖老的我的眼中,不过是稀疏平常之事。但谢和弦确实是在用自己的语言表述着内心,副歌部分转入台语演唱更是真情薄发。再如《寂寞疯了》中,他唱到“以前有aio现在是facebook,一天没有上你就会非死不可”,都是少年最坦荡的独白。真实——这是谢和弦最重要的本质,也是让比他年长并被社会磨平的我所羡慕的。

    总感觉谢和弦的音乐较为单薄,这次专辑里请来了几位朋友助阵,确实添色不少。和徐佳莹合作的《柳树下》,简单的吉他拍弦打底,一点的中国风,一点的电子节奏,咬字清晰的Rap,以及和《身骑白马》类似的歌仔戏副歌,让这首歌颇有当年周杰伦全盛时期《娘子》的风采;《Crazy for you》请来炙手可热的蛋堡,红遍半边天的嘻哈新偶像,连Konami招牌菜《实况足球》都选用了他的歌曲作为背景音乐。在《月光》之后,蛋堡 X Jabber Loop后显著地增加了音乐中的爵士元素,小号一起,歌舞升平。Skot suyama和庭竹的夫妻档也同时出现在专辑中,《海洋》《The Rock》都是爽快的励志作品。

    《于是长大了以后》在《我不会让你失望》中收尾。这样的一个Rundown是值得称赞的。一开始,还以为这是一首吉他弹唱小品,可接下来毫无预兆地转入Band Sound中,谢和弦的演唱也从随意的弹唱走向重型金属的撕裂里,少年心气,尽在此刻。

    时代变了,台湾奔走呼告的青年也变了。从薛岳、林强,到今天的谢和弦,虽然音乐形式和笔触都随之改变,但骨子里的精神似乎没怎么变。“台北台北台北车站到啦,欲下车的旅客请赶紧下车;头前是现在的台北车头,我的理想和希望拢在这”,这和“原来这就是登大人,原来这就是社会黑暗;原来这就是小汉时候,整天梦呀梦呀梦”,不都是一样的吗?

  • 最初看到罗允宣(Nah Youn Sun)这个名字的时候,心想这不过是那种玩儿翻唱的主流传统爵士熟女人声罢了(当然,其中也有对韩国音乐的抗拒)。后在机缘巧合下,终于听到了她于2010年末发行的《Same Girl》,耳边为之一振——这和我原本想像的不一样嘛!

    韩国爵士女歌手罗允宣1969年出生于汉城的一个音乐世家中,从小深受古典音乐浸淫,23时便在韩国本土的管弦乐队登台演出。由于不适应古典乐中的种种桎梏,她于1995年前往巴黎,学习法国语言文学。直到27岁,她才开始接触爵士乐,并尝试人声演唱。在之后的五年时间里,她录制了4张专辑,频频亮相于欧洲与韩国的各个爵士音乐节。进入21世纪后,罗允宣迎来了自己事业的高峰期,先是在2003年获“韩国年度爵士音乐家”称号,2005年再获法国爵士现场演出评审团大奖。2009年,凭借着个人专辑《Voyage》,她不仅获得韩国“年度最佳爵士及跨界音乐大碟奖”,其在第二故乡法国更是好评如潮,直到两年后的今天,依然高踞在法国亚马逊的爵士类唱片排行榜中。

    好,生平介绍就先到这,回到她的第七张专辑《Same Girl 还是那个女孩》中。作为和德国著名爵士厂牌ACT的第二次合作,《Same Girl》在制作可谓精致,全套的瑞典班底,包括录音也在瑞典完成,让专辑始终渗透着北欧爵士标志性的简约空灵。

    实际上,当我往回追溯罗允宣的音乐作品时,会发现《Same Girl》是一张泾渭分明的转型之作。如果让我先听到她之前的作品,或许不会对她产生如此浓厚的兴趣。毋庸置疑,罗允宣一直都是以简约乐器搭配而凸显人声表现力的歌手。如她2003年在sony旗下发行的《Down By Love》中,那首令人难忘的《old friend》,人声与free tempo吉他的交相映衬,便能窥见她那扎实多变的演唱功底,以及对歌曲超强的把握能力。从2004年的《So I Am》起,罗允宣慢慢地挖掘自身艺术感,逐渐地寻找自己身上闪光点,并加入更多的韩国本土色彩,由此产生了2007年的《Memory Lane》,在此基础上衍生出2009年更成熟的姐妹篇《Voyage》。此时的罗允宣获得了最广泛的认可,但要把她从一个歌手拔高至一位艺术家,还真得从《Same Girl》说起。

    《Same Girl》中选曲范围相当广泛,有罗允宣的自创曲、爵士经典、美国民谣、韩国传统民歌、巴西桑巴、法国香颂——甚至还有重金属。嗯,是的,她还选了一首重金属班霸乐队Metallica的歌。从《My Favorite Things》起(选自音乐剧《国王与我》,根据英国十九世纪的传奇女性安娜李欧文赴暹逻王国担任皇家教师的真实故事改编),罗允宣开始释放她声音魅力。先是为传统歌剧注入新世纪的冷调爵士的演绎,紧接着在对美国60年代民歌手Jackson C. Frank的《My Name Is Carnival》演绎中,把原曲的淡淡忧伤诠释成另一种气质的引吭高歌,而吉他手Ulf Wakenius极富情绪又变化多端的演奏亦让人印象深刻。说起Ulf Wakenius,他被大家熟知或许是因为曾是Oscar Peterson四重奏的成员,但谁也无法忽视这位来自瑞典吉他手的能量,同时他也是罗允宣加入ACT的最重要的促成因素。如接下来这首《Breakfast In Baghdad》,由Ulf Wakenius创作,并担纲演奏了专辑中那让人血脉喷张的尼龙吉他,弗拉明戈?北非音乐?这都无法阻挡他们了,尤其是罗允宣在副歌部分用人声和乐器的对话,堪称专辑中最精彩的段落。至于刚才所说的Metallica,对于金属粉(曾经是)来说,罗允宣对《Enter Sandman》的演绎绝不会让你们失望,高音部分的歇斯底里而又充满了艺术气质,全曲都在挑战听者紧绷的神经,让人拍案而起(不过,这对于一些认为爵士乐只是舒服悦耳的人来说,或许会被吓到也说不定了)。

    《Same Girl》是一张动静皆宜的唱片,在巴黎的生活、左岸香颂的耳目渲染让罗允宣对《La chanson d'Helene》(海伦之歌)这样的香颂名作处理起来也如鱼得水。同时,这首歌也邀得法国著名演员、现已73岁高龄的Jean-Loup Dabadie参与曲中念白。同时,罗允宣对韩国民族歌曲的重新演绎是其作品中极具艺术价值的部分,如《Kangwondo Arirang》,这首传统的朝鲜民歌被焕发出了极具世界音乐/融合爵士的美感,高低起伏的吉他弦中却也保持了东方的韵味。

    整张专辑一气呵成,无论原曲风格如何,都被罗允宣极具个人化的二次创作纳入其中。专辑乐手亦有上佳表现,除了Ulf Wakenius的吉他,Lars Danielsson的贝司和大提琴、Xavier Desandre-Navarre的打击乐、包括罗允宣本人的克林巴琴、卡祖笛演奏都让人印象深刻——它们的音色不抢戏,但又极具存在感。

    《Same Girl》去年年末刚上市便迅速征服了法国、韩国乐迷的耳朵,不仅高踞亚马逊爵士乐销售榜冠军长达一个月,更获得法国爵士乐杂志《Jazzman》的“CHOC”大奖、法国爵士乐学院年度“Mimi Perrin”爵士歌唱大奖的认可。对于罗允宣来说,《Same Girl》将她和小布尔乔亚的情调区别开来,把自己的音乐与香车美酒拉开距离,她强大的内心世界和浓厚的个人风格赋予了她别树一帜的表演风格,而这种风格臻于艺术。也许正如罗允宣自己所说:“那些正宗美国爵士乐歌手的演唱让我觉得,如果这是爵士,我真的无法唱爵士了。我不可能喝上100杯威士忌让我的声音变得沙哑,而我的血液里也没有那种节奏。是我的导师们告诉我,你应该唱自己的爵士。我不可以说我创造了某种爵士,我不能说这是罗允宣的爵士乐,我只是用了我的嗓音,而这种尝试别人也认可了。”

    这是名副其实的韩国第一爵士女伶。

    http://ent.qq.com/a/20110603/000272.htm

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    BTW. 罗允宣《Memory Lane》(2007)《Voyage》(2009)于去年均由星外星引进内地,此张《Same Girl》也将于近期上市。对于我来说,期望是:1,封面能不能维持原状;2,别做AQCD,出一个简单的版本,平民的价位;3,把之前做成AQCD的两张做回平装版,打包成一个套装,让更多人能听到罗允宣。

  • 1,如果华研和我签约,公司能提供足够的资源,如王治平老师、陈小霞老师等能真心诚意地把他们的好作品给我,我相信我的专辑也可以大卖——这不是吐槽林宥嘉。实际上,《美妙生活》是我心目中2011年华语流行音乐出品至今的No.1,林宥嘉本人也是我心目中的华语乐坛的下一站天王。但如果他碰上的公司若非华研,是否能够呈现当下的光景?

    这或许是先有鸡还是先有蛋的问题。华研成功地打造了林宥嘉,又把林宥嘉模式用到了田馥甄身上,而这样的经验又能够回过头来给林宥嘉一些新的刺激和启发。我们在《美妙生活》中,听到林宥嘉游走自如且仿佛没有野心的演绎,整张专辑如水银泻地一般,无论是抒情、摇滚、英伦,没有半点拖沓臃肿。在之前为某报社写的短评中,我将其誉为“当下华语乐坛的标准件”。而标准件依靠的是工业化、标准化的生产线,就像“球圣”克鲁伊夫1988年担任巴塞罗那主教练,头等大事便是创建了拉玛西亚足球学校,并要求各梯队均使用433阵型。往后20年,拉玛西亚源源不断地涌现出梅西、哈维、伊内斯塔、法布雷加斯、皮克等光芒四射的球星们——好吧,如果你说梅西是不可复制的、无法量产的,那佩德罗呢?塞尔吉奥·布斯克斯呢?

    因此,我期待华研的下一个林宥嘉、田馥甄。

     

    2,在《美妙生活》的预购版里面,赠送了一张《Senses Around Live Tour》的现场。在里头,大家能听到林宥嘉的自弹自唱(如《春光乍泄》——不得不说低音部分还真是像陈奕迅啊),更重要的是亦奉献了许多不错的翻唱,如华语小清新镇魂歌范晓萱的《Darling》等,以及让许多五迷为之一振的《罗密欧与朱丽叶》。更冷门的还有四分卫呢。林宥嘉的英伦气息不是一天两天养成的,如四分卫、五月天这些带着浓厚英伦吉他痕迹的乐团,林宥嘉在平日里应该没少听他们。这不仅是一张乐迷的收藏品,更是一张展现林宥嘉音乐含量的成分组成报告——话说,这一招是不是在《Love!田馥甄To Hebe 影音馆》里面用过了?

     

    3,从《神秘嘉宾》初试啼声开始,林宥嘉就被大家喊成“小陈奕迅”。有朋友甚至表示,已经有了陈奕迅,为什么还需要一个穷人版的林宥嘉?可对于贫瘠的华语乐坛来说,苍蝇大腿也是肉啊!何况陈奕迅如果是牛扒,林宥嘉至少怎么也得是牛腩吧?和Mr.主唱布志伦不一样的是,林宥嘉的可塑性太强了,他有着光辉美好的未来,而且他的眼神中总是流露出一种不服输的自信。显而易见地,通过三张作品,他已逐渐地摆脱陈奕迅的影子,他的声音辨识度已经非常了得,而且也不再会陷入早期炫技式的去处理自己的中高音。听《美妙生活》感觉很舒服,林宥嘉没有急于去证明些什么,他的坦然也造就了这张视角并不高的专辑能展现出一种宽广的格调,同时也传递出一种很“tough”的感觉。这种感觉对上几次出现还是在陈珊妮《如果有一件事是重要的》、张悬《城市》等为数不多的专辑里头。

     

    4,林宥嘉和我一样都是一个铁杆五迷(五月天粉丝)。在某次电台的访问中,林宥嘉表示,和台湾的十万青年一样,因为五月天而内牛满面,因为五月天而开始玩乐团,对阿信“温柔地对抗世界”这一信仰有着无比的热血和冲动。而在我眼中,《美妙生活》是林宥嘉至今最为满意的一张作品,也是一个五月天情结的终极表达。请听《自然醒》《纪念品》的尾音、破音,细心听听“谁都像小孩”的部分,以及歌曲的吉他编排,还有那有心无意地吉他音箱传来的电流声,是否让你想到五月天全盛时期的《爱情万岁》《人生海海》?尽管这是一张再流行不过的专辑,但我能在里头听到《海边的卡夫卡》中一颗少年的涌动的心(听起来是不是有点my little airport《介乎旺角与巴黎的诗意》的感觉呢)。

     

    5,最后说一说《美妙生活》的装帧,以及无法避开的聂永真。聂永真第一次接触唱片设计是五月天阿信和怪兽的《半成年主张》,之后陆续做了许多让大家印象深刻的设计,近年如曹格的超市、陶喆的环保纸袋、王力宏的把根留住。但我认为他和林宥嘉的合作是最美妙的。在上一张《感官/世界》里头,聂永真大胆地在流行唱片中使用黑白色彩,并用一种强烈的视觉冲突,以火山爆发的“周遭的噪音与暴戾场域”和林宥嘉“一个人的安静存在与渺小”为视觉中心,加以大量的留白,大气且时尚。而《美妙生活》中,更为轻车熟路的聂永真为林宥嘉打造了一个更为大胆的设计,一开始我以为是LP包装,但后来才知道是Pizza盒。现在,你登录林宥嘉任意一个粉丝俱乐部,大家都在开箱晒单。导致上周我在香港HMV里头瞎逛时,差点也想忍不住买了一张。在这个时代,依靠着装帧刺激购买欲望的作品实在是凤毛麟角,别让我倒胃口就了不起了。

    顺带一提的是,内地版《美妙生活》因为制作成本、包装运输等原因,无奈只能作成了普通透明盒+1比1缩小的内页外加天地通纸套的样式,着实可惜。但冲着这个价格,依旧是今年最值得购买的专辑没有之一。

    (腾讯:http://ent.qq.com/a/20110519/000301.htm

  • 如果有朋友问我,他想买一张今年的新发行的流行唱片,有什么推荐,我一定会选林宥嘉的这张《美妙生活》。

    这几乎是一张当下华语流行乐坛的标准件:从倡导某种生活态度这么一个小切口出发,没有老套的风花雪月,也没有什么大大的理想和抱负,叙说的只是你我都熟悉的身边小事;歌曲旋律不落窠臼,没有半点俗气,却亦琅琅上口,适合在KTV里点唱;歌曲编排大气得体,华丽但不铺张,时尚但懂节制,林宥嘉的演唱随性自然,在扎实的唱功背后,无时无刻不在显露着他的天赋与光芒。同时,《美妙生活》也是一张如假包换的“以音乐人为中心”的音乐作品,唱片公司并刻意地没有天马行空、不切实际地把林宥嘉打造成一个什么样子,而是根据歌手的实际情况出发、度身定做了适合他的尺寸和风格,包括林宥嘉本人也有充分参与到专辑的企划创意和制作中去。包括它别出心裁的封面设计和装帧,无论从哪个角度出发,《美妙生活》都是接近完美的。

    是的,通常一张专辑只要有三首以上的好歌就已经能称得上是一张优秀的专辑,可《美妙生活》或许远远不止这个数量。开篇曲是林夕执笔的年轻人新生活无责任宣言马赛曲《美妙生活》:“这么美妙的生活,怎么好意思不活,怎么好意思不快活”,可算是专辑中的金句;而畅快淋漓的流行摇滚《自然醒》,以及band sound更为厚重、唱腔更为歇斯底里的《纪念品》,也体现了林宥嘉进步显著的对摇滚的驾驭能力,以致在汹涌的吉他噪音中不被埋没,他的破音也似乎在挑战着主流审美的底线,这让人不禁想起十年前的五月天;《我总是一个人在练习一个人》《想念》是两首优秀的吉他小品,前者的吉他演奏部分甚至是林宥嘉亲自上阵;《晚安》出自金漆招牌陈小霞之手,而这首充满了话题性的作品同样值得反复咀嚼。

    林宥嘉从《神秘嘉宾》初试啼声起便被大家称呼为“小陈奕迅”,在三张专辑后,他的声音和演绎方式是否还是带着陈奕迅的影子,这个问题见仁见智,但至少在对音乐的热诚、在自己的音乐作品中以商业的模式融入更多的“我的”概念,现在的林宥嘉已经大步流星地追赶着“吹神”。江山代有才人出,这才是华语乐坛之幸。